La sociedad tiende a restar importancia a las clases de arte para adolescentes, ya que consideran que sólo la necesitan quienes piensan dedicarse a algún tipo de expresión artística. Sin embargo, son precisamente estos jóvenes los que tomarán las decisiones importantes de la sociedad en el futuro próximo, por lo que es indispensable hacer del arte parte de su pensamiento. A través de él puede el joven enfrentarse a sí mismo y con sus necesidades, y puede aprender a realizar cambios.
Comenzaremos por considerar como desarrollo estético a la organización de nuestras aptitudes intelectuales y nuestras habilidades perceptivas, en íntima relación con nuestras emociones. Por lo que resulta indispensable educar la sensibilidad de las personas, especialmente los jóvenes, para experiencias perceptivas, intelectuales y emocionales, de modo que éstas queden integradas armónicamente organizado.
Ya desde la antigua Grecia se reconocía la importancia de ésta educación en los niños y jóvenes, por lo que Platón insiste en el cuidado que debemos poner en ella. Este gran filósofo propone la educación musical como parte principal de la educación, ya que considera que la beldad es el objeto de las artes, la cual crea una atmósfera sana en los niños y jóvenes para verse conducidos a imitar y amar lo bello. Platón estaba convencido de que si la música se inicia adecuadamente en el alma de los jóvenes, aprenderán a advertir la imperfección y lo defectuoso en la naturaleza y el arte, alabarán la belleza y alimentarán su alma con ella; a la vez que despreciarán lo vicioso, ya que la música crea una relación entre la razón y la persona. He aquí las ventajas, de acuerdo a Platón, de educar a los niños en la música: “…el amor ajustado a la razón es un amor sabio y arreglado a lo bello y a lo honesto” (115), que ayuda a los jóvenes a despreciar los placeres y el amor sensual. Yendo más lejos, Platón afirma que solamente educando de esta manera a los jóvenes podremos aspirar a un orden justo del Estado.
La importancia del arte radica precisamente en que éste se deposita en el espíritu porque se basa en procesos mentales depositados en la conciencia. No podemos ignorar el efecto, bueno o malo, del arte en la mente, porque se torna un ejemplo o modelo. Además, cabe mencionar que las ideas que se presentan al estudioso, al científico, al matemático, al inventor se dan en un momento similar de energía creadora al de la creación y recreación artística. De tal manera que, sensibilizando al joven en el arte, lo preparamos para la ciencia. Es decir, para crear y sostener una sociedad realmente humana, por ello debemos tomar una responsabilidad hacia el arte, como hacia la supervivencia del ser humano como tal.
Pero, ¿cómo es posible tal influencia del arte en el alma?. Se debe a que el momento estético es un instante fugaz en que el espectador es uno con la obra de arte; es decir, la obra deja de estar fuera de él, se convierten en una sola entidad, y el espectador adquiere un conocimiento único. El arte humaniza por medio de ejemplos, pues la creación artística penetra en las profundidades de nuestro organismo gracias a nuestra propensión a identificarnos con los objetos y a imitarlos. Por ello, es de vital importancia que recurramos a las composiciones artísticas que ofrecen los modelos más nobles que puede alcanzar la humanidad, modelos de estados de ser y maneras de vivir dignas de nuestra especie: el arte clásico.
Así, todo el arte debe crear obras que comprendan una sociedad humanizada y al hombre libre, el hombre, según Goethe que pueda ”vivir resueltamente en lo íntegro, lo Bueno y lo Bello” (1941: p.258). El arte que, obedeciendo sus propias leyes, cumpla con esta misión es un arte clásico. Es decir, lo que define al arte clásico no es su existencia en determinada época histórica, sino que su finalidad sea lograr individuos capaces de conducir al resto de la humanidad hacia la meta deseada.
Amigo creador, es esa la finalidad que persigues al desarrollar tus habilidades artísticas?. Si es así, os felicito, y si no lo es, os lo demandarán las futuras generaciones de mexicanos.
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CINE: 300
La película 300 de Zack Snyder, estrenada en 2007, se presentó como la adaptación de la novela gráfica que Frank Miller realizó en 1998 y publicó originalmente en cinco números sobre la Batalla de las Termópilas. De modo que no estamos ante la recreación de un hecho histórico, sino ante la recreación de una recreación de un suceso acaecido en el año 480 antes de Cristo. Digo esto porque la película ha de verse como la lectura audiovisual de un texto icónico-verbal previo, más centrado en el heroísmo dramático y la violencia que en la reconstrucción documental de lo que puedo suceder en el desfiladero de las Termópilas.
Más allá de esto, es muy probable que pocos o muy pocos de los que hayan visto el filme y hayan salido sobrecogidos por su estética y la fuerte carga emotiva de la historia narrada hayan leído a Herodoto o conozcan los verdaderos acontecimientos históricos, sin duda heroicos, que sirven de base argumental al texto. Es muy posible también que muchos de los que estén al tanto del evento histórico narrado, hayan olvidado que el espartano que dirigió el ejercito griego en la batalla de Platea, que en la película sirve como forma de llevar a cabo la prometida venganza por los héroes muertos, fue Pausanias, tutor del hijo de Leónidas, quien se pasará no mucho tiempo después de ese triunfo al bando de los persas, de quienes recibirá un territorio en Bizancio y Sestos para que, por cierto, lo gobernase como tirano, o que la alianza entre Esparta y Atenas, en la II Guerra Médica, no se mantuvo posteriormente, deseosos ambos países de dominar al resto de las polis griegas: la verdad no siempre es lo que quisiéramos.
El cine es ficción, como lo es el cómic, pero eso no significa asepsia, inanidad; por el contrario, cualquier ficción cinematográfica posee, como todo acto sémico, una dimensión perlocutiva consustancial, pues busca siempre conseguir algo del que lo recibe. En el caso que nos ocupa, basta, para darse cuenta de ello, con hacerse algunas preguntas (el recurso a la mayéutica socrática resulta muy pertinente, por esclarecedor, en estos casos): ¿por qué todos los buenos son perfectos y los malos son extraños, deformes, incluso monstruosos y deshumanizados?, ¿por qué Jerjes es un ser andrógino de cuya garganta surgen una extraña amalgama de voces, una de ellas casi femenina, y sus adornos de rey, collares y piercings extravagantes, son más apropiados de una drag queen, como la protagonista de Priscilla, reina del desierto, que de un rey de los persas?, ¿por qué el comportamiento valiente, noble, inteligente, de la reina debe justificarse y, así, cuando habla por primera vez, un emisario persa se asombra, obligando a Leónidas a declarar “Ella puede hablar lo que quiera, nuestras mujeres dan a luz espartanos”?, ¿por qué la voz en off, además de narrar lo que estamos viendo, nos lo explica?, ¿por qué el espartano Leónidas parece unas veces un ilustrado defensor de la libertad individual y, otras, un despótico sargento de hierro?, ¿quiénes eran los éforos? y ¿por qué son presentados como seres libidinosos, deformes, traidores y corruptos?, ¿por qué los adversarios de los héroes espartanos tienen físicos extraños y anómalos -recordemos al verdugo con hachas en vez de manos o al contrahecho traidor Sfialtes-?, ¿por qué casi todos sus enemigos cubren su cuerpo, corroído o deforme, mientras los soldados espartanos muestran en todo su esplendor un físico admirable, perfecto en todos los sentidos?, ¿por qué, a la dureza y el rigor del campamento espartano, se opone la blandura, opulencia y lascivia del persa? o ¿por qué el resto de los griegos apenas entran en combate y se presentan, además, como débiles y temerosos? Sin duda, éstas y otras muchas preguntas de este tipo brotarán con facilidad tras ver la película.
Como señaló el crítico griego de cine Robby Eksiel, probablemente el auditorio quedará impresionado con la “acción digital”, pero seguramente también a muchos les decepcionará e irritará, incluso, las “ostentosas interpretaciones y los personajes unidimensionales” de este estéticamente sorprendente, aunque narrativamente imperfecto y tendencioso filme.
This is sparta. Los dejo con esta escena:
Más allá de esto, es muy probable que pocos o muy pocos de los que hayan visto el filme y hayan salido sobrecogidos por su estética y la fuerte carga emotiva de la historia narrada hayan leído a Herodoto o conozcan los verdaderos acontecimientos históricos, sin duda heroicos, que sirven de base argumental al texto. Es muy posible también que muchos de los que estén al tanto del evento histórico narrado, hayan olvidado que el espartano que dirigió el ejercito griego en la batalla de Platea, que en la película sirve como forma de llevar a cabo la prometida venganza por los héroes muertos, fue Pausanias, tutor del hijo de Leónidas, quien se pasará no mucho tiempo después de ese triunfo al bando de los persas, de quienes recibirá un territorio en Bizancio y Sestos para que, por cierto, lo gobernase como tirano, o que la alianza entre Esparta y Atenas, en la II Guerra Médica, no se mantuvo posteriormente, deseosos ambos países de dominar al resto de las polis griegas: la verdad no siempre es lo que quisiéramos.
El cine es ficción, como lo es el cómic, pero eso no significa asepsia, inanidad; por el contrario, cualquier ficción cinematográfica posee, como todo acto sémico, una dimensión perlocutiva consustancial, pues busca siempre conseguir algo del que lo recibe. En el caso que nos ocupa, basta, para darse cuenta de ello, con hacerse algunas preguntas (el recurso a la mayéutica socrática resulta muy pertinente, por esclarecedor, en estos casos): ¿por qué todos los buenos son perfectos y los malos son extraños, deformes, incluso monstruosos y deshumanizados?, ¿por qué Jerjes es un ser andrógino de cuya garganta surgen una extraña amalgama de voces, una de ellas casi femenina, y sus adornos de rey, collares y piercings extravagantes, son más apropiados de una drag queen, como la protagonista de Priscilla, reina del desierto, que de un rey de los persas?, ¿por qué el comportamiento valiente, noble, inteligente, de la reina debe justificarse y, así, cuando habla por primera vez, un emisario persa se asombra, obligando a Leónidas a declarar “Ella puede hablar lo que quiera, nuestras mujeres dan a luz espartanos”?, ¿por qué la voz en off, además de narrar lo que estamos viendo, nos lo explica?, ¿por qué el espartano Leónidas parece unas veces un ilustrado defensor de la libertad individual y, otras, un despótico sargento de hierro?, ¿quiénes eran los éforos? y ¿por qué son presentados como seres libidinosos, deformes, traidores y corruptos?, ¿por qué los adversarios de los héroes espartanos tienen físicos extraños y anómalos -recordemos al verdugo con hachas en vez de manos o al contrahecho traidor Sfialtes-?, ¿por qué casi todos sus enemigos cubren su cuerpo, corroído o deforme, mientras los soldados espartanos muestran en todo su esplendor un físico admirable, perfecto en todos los sentidos?, ¿por qué, a la dureza y el rigor del campamento espartano, se opone la blandura, opulencia y lascivia del persa? o ¿por qué el resto de los griegos apenas entran en combate y se presentan, además, como débiles y temerosos? Sin duda, éstas y otras muchas preguntas de este tipo brotarán con facilidad tras ver la película.
Como señaló el crítico griego de cine Robby Eksiel, probablemente el auditorio quedará impresionado con la “acción digital”, pero seguramente también a muchos les decepcionará e irritará, incluso, las “ostentosas interpretaciones y los personajes unidimensionales” de este estéticamente sorprendente, aunque narrativamente imperfecto y tendencioso filme.
This is sparta. Los dejo con esta escena:
CINE: Batman
Batman, el caballero de la noche, dirigida por Christopher Nolan, estelarizada por Christian Bale y Heath Ledger es, sin duda, la película del año de la industria estadunidense, no sólo por lo que logró recaudar 223 millones de dólares en su primer fin de semana en la taquilla mundial, sino debido a su propuesta narrativa y actoral.
No se trata de un blockbuster cualquiera. Es una excelente película; que si no es la mejor en efectos especiales, que si no es tan pintoresca como lo eran las anteriores, no importa: Batman tiene esencia, a diferencia de otros blockbusters es visualmente atractiva, es emocionante y sobre todo, profunda.
En esta secuela, nuestro héroe (Christian Bale) deberá enfrentarse a un nuevo enemigo El guasón (Heath Ledger), sujeto sumamente peligroso, quien pondrá de cabeza a Ciudad Gótica y su sistema legal. Batman cuenta con sus fieles asistentes: el mayordomo Alfred (Michael Caine) y el científico y brazo derecho de su compañía Lucius (Morgan Freeman); a su viejo amor Rachel Dawes (Maggie Gylenhall, en sustitución de Katie Holmes, gracias a Dios); al comisionado Gordon (Gary Oldman), y al fiscal de distrito, Harvey Dent (Aaron Eckhart), quien, como muchos saben, se convertirá posteriormente en el villano Dos Caras.
Los actores, por cierto, realizan un estupendo trabajo, pero es Heath Ledger quien realiza una actuación fuera de serie, ¿mejor que Jack Nicholson como El guasón de la película de Tim Burton? Probablemente, pero ojo, en cuanto a guión se refiere El guasón de Ledger es, por mucho, un personaje mejor construido.
El guasón de esta cinta no es un criminal del montón y, a diferencia de otros, no busca dinero, lo que lo vuelve en un ser sumamente peligroso, sin remordimientos ni razón en su accionar. El guasón es un agente del caos, cuyos actos impactan directamente en Batman y en los habitantes de Ciudad Gótica, pero trascienden la pantalla de tal forma que su lucha contra el llamado Hombre murciélago resulta una excusa para ir arrojando pequeños statements acerca de la naturaleza del ser humano, de una supuesta bondad, de su irracionalidad, de su necesidad por tener héroes y de las limitaciones de estos paladines de la justicia.
Así, Batman está frente a una figura que cuestiona su existencia y límites como héroe. ¿Qué le está permitido hacer para detener el mal? ¿Hasta dónde debe llegar su influencia? ¿Cómo debe manejar su poder?
Por otro lado, veremos algunos aspectos personales de la vida de Batman como Bruce Wayne: incapacidad para sostener una relación formal con Rachel y la posibilidad de que ella sea para otro hombre: Harvey. Pero este triángulo amoroso está lejos de ser un elemento protagónico metido con calzador; sólo es un instrumento para la resolución de la trama.
Batman, el caballero de la noche, con todo y sus valores caballerescos, no es una historia color de rosa. Es una cinta cruda, con personajes psicológicamente complejos y de conclusiones dolorosas, trágicas, que plantea más preguntas que respuestas.
Les dejo una escena de un truco de magia del Guasón
No se trata de un blockbuster cualquiera. Es una excelente película; que si no es la mejor en efectos especiales, que si no es tan pintoresca como lo eran las anteriores, no importa: Batman tiene esencia, a diferencia de otros blockbusters es visualmente atractiva, es emocionante y sobre todo, profunda.
En esta secuela, nuestro héroe (Christian Bale) deberá enfrentarse a un nuevo enemigo El guasón (Heath Ledger), sujeto sumamente peligroso, quien pondrá de cabeza a Ciudad Gótica y su sistema legal. Batman cuenta con sus fieles asistentes: el mayordomo Alfred (Michael Caine) y el científico y brazo derecho de su compañía Lucius (Morgan Freeman); a su viejo amor Rachel Dawes (Maggie Gylenhall, en sustitución de Katie Holmes, gracias a Dios); al comisionado Gordon (Gary Oldman), y al fiscal de distrito, Harvey Dent (Aaron Eckhart), quien, como muchos saben, se convertirá posteriormente en el villano Dos Caras.
Los actores, por cierto, realizan un estupendo trabajo, pero es Heath Ledger quien realiza una actuación fuera de serie, ¿mejor que Jack Nicholson como El guasón de la película de Tim Burton? Probablemente, pero ojo, en cuanto a guión se refiere El guasón de Ledger es, por mucho, un personaje mejor construido.
El guasón de esta cinta no es un criminal del montón y, a diferencia de otros, no busca dinero, lo que lo vuelve en un ser sumamente peligroso, sin remordimientos ni razón en su accionar. El guasón es un agente del caos, cuyos actos impactan directamente en Batman y en los habitantes de Ciudad Gótica, pero trascienden la pantalla de tal forma que su lucha contra el llamado Hombre murciélago resulta una excusa para ir arrojando pequeños statements acerca de la naturaleza del ser humano, de una supuesta bondad, de su irracionalidad, de su necesidad por tener héroes y de las limitaciones de estos paladines de la justicia.
Así, Batman está frente a una figura que cuestiona su existencia y límites como héroe. ¿Qué le está permitido hacer para detener el mal? ¿Hasta dónde debe llegar su influencia? ¿Cómo debe manejar su poder?
Por otro lado, veremos algunos aspectos personales de la vida de Batman como Bruce Wayne: incapacidad para sostener una relación formal con Rachel y la posibilidad de que ella sea para otro hombre: Harvey. Pero este triángulo amoroso está lejos de ser un elemento protagónico metido con calzador; sólo es un instrumento para la resolución de la trama.
Batman, el caballero de la noche, con todo y sus valores caballerescos, no es una historia color de rosa. Es una cinta cruda, con personajes psicológicamente complejos y de conclusiones dolorosas, trágicas, que plantea más preguntas que respuestas.
Les dejo una escena de un truco de magia del Guasón
PINTURA: Leonardo Da Vinci
Leonardo da Vinci es una de las figuras más fascinantes del Renacimiento. También es uno de los creadores que ha dado lugar a un mayor número de mitos sobre su persona. Considerado el paradigma del homo universalis renacentista, incursionó en campos tan variados como la aerodinámica, la hidráulica, la anatomía, la botánica, la pintura y la arquitectura, entre otros. Su legado ha sido tan impresionante como la magnitud de su mito. Sus fecundas investigaciones científicas fueron, en gran medida, olvidadas y minusvaloradas por sus contemporáneos, mientras que en su obra de pintor vieron en él un maestro y un sabio, que consigue elaborar y plasmar el ideal de belleza que preside la actividad artística del Alto Renacimiento.
Pintura y ciencia
Cuando se considera a Leonardo con relación a la variedad y complejidad de sus actividades artísticas y científicas, los rasgos que lo definen son su categórico rechazo al principio de autoridad y la afirmación de la experiencia como valor exclusivo. En su actividad como pintor éste será igualmente su rasgo definitorio. Aprendidos los dos principios básicos de la pintura florentina del Quattrocento, el sistema de representación tridimensional y la valoración de la Antigüedad clásica como maestra, se opondrá a ellos, superándolos y planteando un nuevo sistema de representación; a la construcción geométrica del espacio y la perspectiva lineal conseguida por los quattrocentistas, opone la perspectiva aérea, cuya base se encuentra en sus continuas investigaciones sobre el fenómeno de la luz. Ante la lección de la Antigüedad clásica, reacciona mediante un conocimiento racional, vasto y experimentado, de los fenómenos de la naturaleza.
Diseños mecánicos de Leonardo
En Leonardo se funden, como en ninguna otra personalidad histórica, la actividad artística y la actividad científica, y es en él donde, de un modo cierto, ambas actividades entran en contradicción, unas veces alimentándose y otras contraponiéndose. Pero, para Leonardo da Vinci, la belleza no se aparta de su concepción científica de la naturaleza, ya que, como ella, tiene que ser visible y experimentable. Leonardo, formado en contacto con el núcleo florentino neoplatónico, no abandona la idea de que la belleza es algo inmaterial, aunque ésta no se va a manifestar, como lo hacía en Botticelli, a través de metáforas y apologías, sino mediante una imagen visual directa, búsqueda que ocupa toda la actividad pictórica del artista.
El sfumato, recurso técnico inventado por él, que consiste en la difuminación de los contornos, se basa en su teoría científica sobre el espesor transparente del aire, que le lleva a la representación atmosférica. Leonardo intuye que la atmósfera no es transparente, sino que tiene color y densidad propias, que cambian por los efectos de luz; estas propiedades atmosféricas varían el volumen y el color de los objetos, que se encuentran integrados y unidos al medio en que se ubican.
El Quattrocento representaba los objetos, partiendo de una visión preconcebida de ellos; Leonardo los representa tal y como los observa en el momento en que van a ser representados, olvidándose de cualquier idea establecida a priori. La técnica del sfumato permite la fusión del objeto con la naturaleza que lo circunda, la unión de la naturaleza humana con la naturaleza cósmica, la consecución de la belleza ideal.
Pintura y ciencia
Cuando se considera a Leonardo con relación a la variedad y complejidad de sus actividades artísticas y científicas, los rasgos que lo definen son su categórico rechazo al principio de autoridad y la afirmación de la experiencia como valor exclusivo. En su actividad como pintor éste será igualmente su rasgo definitorio. Aprendidos los dos principios básicos de la pintura florentina del Quattrocento, el sistema de representación tridimensional y la valoración de la Antigüedad clásica como maestra, se opondrá a ellos, superándolos y planteando un nuevo sistema de representación; a la construcción geométrica del espacio y la perspectiva lineal conseguida por los quattrocentistas, opone la perspectiva aérea, cuya base se encuentra en sus continuas investigaciones sobre el fenómeno de la luz. Ante la lección de la Antigüedad clásica, reacciona mediante un conocimiento racional, vasto y experimentado, de los fenómenos de la naturaleza.
Diseños mecánicos de Leonardo
En Leonardo se funden, como en ninguna otra personalidad histórica, la actividad artística y la actividad científica, y es en él donde, de un modo cierto, ambas actividades entran en contradicción, unas veces alimentándose y otras contraponiéndose. Pero, para Leonardo da Vinci, la belleza no se aparta de su concepción científica de la naturaleza, ya que, como ella, tiene que ser visible y experimentable. Leonardo, formado en contacto con el núcleo florentino neoplatónico, no abandona la idea de que la belleza es algo inmaterial, aunque ésta no se va a manifestar, como lo hacía en Botticelli, a través de metáforas y apologías, sino mediante una imagen visual directa, búsqueda que ocupa toda la actividad pictórica del artista.
El sfumato, recurso técnico inventado por él, que consiste en la difuminación de los contornos, se basa en su teoría científica sobre el espesor transparente del aire, que le lleva a la representación atmosférica. Leonardo intuye que la atmósfera no es transparente, sino que tiene color y densidad propias, que cambian por los efectos de luz; estas propiedades atmosféricas varían el volumen y el color de los objetos, que se encuentran integrados y unidos al medio en que se ubican.
El Quattrocento representaba los objetos, partiendo de una visión preconcebida de ellos; Leonardo los representa tal y como los observa en el momento en que van a ser representados, olvidándose de cualquier idea establecida a priori. La técnica del sfumato permite la fusión del objeto con la naturaleza que lo circunda, la unión de la naturaleza humana con la naturaleza cósmica, la consecución de la belleza ideal.
MÚSICA: Federico Chopin
Ocupa un lugar especial en la Historia de la Música: tiene rasgos que lo señalan como una personalidad singular; revela una sensibilidad delicada, refinada, suave, que se explaya en ocasiones en arrebatados arranques de exaltación que impresionan por su manifiesta sinceridad, por su patetismo conmovedor que quiere llegar al alma ajena como un grito angustioso. En toda la música de Chopin se desliza una melancolía inocultable que es como el clima adecuado para su desarrollo: afín en los momentos más vigorosos, en las páginas más veloces hay ese tinte gris que se filtra como el humo, que deja traslucir ensueños que se adivinan pero que no se precisan. Fue la existencia de su autor una vida atormentada por aspiraciones elevadas que no pudieron realizarse; por sufrimientos físicos que no tuvieron curación; por sentimientos patrióticos que fueron atropellados con crueldad; y en todo esto hay un recóndito deseo de paz que se espera hallar en el descanso de la muerte. ¡Chopin tuvo un alma noble, fue un sincero patriota, un soñador romántico en un cuerpo de salud minada! Para él era más atractiva la ilusión que se viste con las galas del idealismo, que la realidad que transcurre con la indiferencia y !a frialdad de la lógica. Así se muestra en su música; música que debe ser ejecutada en su punto justo: cuando se exageran los matices se ensombrece; cuando la dicción se altera se deforma su intención; para gozarla conviene el término exacto, el momento oportuno y afín el estado de ánimo propicio.
Histórica y técnicamente la música de Chopin marca el punto de partida de un camino nuevo: es la obra de un pianista-compositor que da a su instrumento el fruto de su inspiración. De esto se deduce que esta música se adaptará a la técnica y a las modalidades del piano: tendrá la libertad del solista, hará surgir, como al correr de los dedos, armonías que pasan como percusiones que se pueden apagar prontamente, o prolongarse dentro de una resonancia más o menos velada; tendrá notas o melodías sobresalientes basadas en el acento de los dedos y en la subordinación de las partes; se matizará con la combinación de los pedales y la finura del "touchée". Eminentemente pianística abordará dificultades que nunca serán ilógicas porque han sido el resultado de la comprobación práctica. Al mismo tiempo será absolutamente personal: la imitación siempre será inferior al fruto madurado espontáneamente.
Zelazowa Wola tiene "un grupo de árboles que rodean al "dwor" o habitación señorial; las granjas, establos y caballerizas forman un amplio patio cuadrado en cuyo centro se halla el pozo donde las jóvenes con turbantes rojos van a llenar sus baldes.., a algunos pasos del castillo hay una casita con techo de tejas, Cercada por una pequeña gradería de madera. Un obscuro vestíbulo la cruza. A la izquierda, una habitación; a la derecha se hallan tres piezas tan bajas que con los dedos se puede tocar el techo. Ahí nació Frederick Chopin el 22 de febrero de 1810 (Conde Wodzinski: "Los tres romances de F. Chopin").
Histórica y técnicamente la música de Chopin marca el punto de partida de un camino nuevo: es la obra de un pianista-compositor que da a su instrumento el fruto de su inspiración. De esto se deduce que esta música se adaptará a la técnica y a las modalidades del piano: tendrá la libertad del solista, hará surgir, como al correr de los dedos, armonías que pasan como percusiones que se pueden apagar prontamente, o prolongarse dentro de una resonancia más o menos velada; tendrá notas o melodías sobresalientes basadas en el acento de los dedos y en la subordinación de las partes; se matizará con la combinación de los pedales y la finura del "touchée". Eminentemente pianística abordará dificultades que nunca serán ilógicas porque han sido el resultado de la comprobación práctica. Al mismo tiempo será absolutamente personal: la imitación siempre será inferior al fruto madurado espontáneamente.
Zelazowa Wola tiene "un grupo de árboles que rodean al "dwor" o habitación señorial; las granjas, establos y caballerizas forman un amplio patio cuadrado en cuyo centro se halla el pozo donde las jóvenes con turbantes rojos van a llenar sus baldes.., a algunos pasos del castillo hay una casita con techo de tejas, Cercada por una pequeña gradería de madera. Un obscuro vestíbulo la cruza. A la izquierda, una habitación; a la derecha se hallan tres piezas tan bajas que con los dedos se puede tocar el techo. Ahí nació Frederick Chopin el 22 de febrero de 1810 (Conde Wodzinski: "Los tres romances de F. Chopin").
DANZA: Vals Vienés
El vals es un ritmo musical bailable lento, originado en el Tirol (Austria), en el siglo XII. El vals conquistó su rango de nobleza durante los años 1760 en Viena, y se expandió rápidamente por otros países. Algunos autores creen que el vals tuvo su origen en la volte, danza de baile en tres tiempos practicada durante el siglo XVI. La palabra vals nació en el siglo XVIII, cuando el vals se introdujo en la ópera y en el ballet.
En su origen tenía un movimiento lento aunque, en la actualidad, se ha convertido en una danza de ritmo vivo y rápido. Su característica más significativa es que sus compases son de tres tiempos, es decir, de 3/4. En el compás del vals, el primer tiempo siempre es considerado como el tiempo fuerte (F), y los otros dos son débiles (d). Así, el patrón es "F, d, d". Al oír la palabra "vals", enseguida se relaciona con música clásica, pero lo cierto es que el vals sólo es una forma musical y puede estar en cualquier estilo, por ejemplo en forma de rancheras mexicanas, aunque el Swing siempre es el ritmo más usado (el cual es de 4/4, en patrón F, d, F, d). Frédéric Chopin, el gran compositor y pianista polaco, aportó una cantidad de excelentes valses para piano y, entre ellos, el vals más breve denominado Vals del Minuto. Los Strauss también destacaron como grandes compositores de valses, especialmente Johann Strauss hijo. En Latinoamérica existen diversas variantes como el vals peruano, vals venezolano, el vals colombiano, el vals brasileño y el vals ecuatoriano con características que difieren de país a país.
Podemos decir con exactitud que tanto estos compositores como otros muchos, han llegado a formar una música que ha participado en el desarrollo artístico, tan importante para los humanos. Se conocen, por ejemplo, de Tchaikovsky piezas tan famosas como el Vals de El cascanueces, el Vals de La bella durmiente o el Vals de El lago de los cisnes, del mismo modo que habremos oído piezas de Strauss tales como Sangre Vienesa, el Vals de los Novios o el Vals del Emperador
En su origen tenía un movimiento lento aunque, en la actualidad, se ha convertido en una danza de ritmo vivo y rápido. Su característica más significativa es que sus compases son de tres tiempos, es decir, de 3/4. En el compás del vals, el primer tiempo siempre es considerado como el tiempo fuerte (F), y los otros dos son débiles (d). Así, el patrón es "F, d, d". Al oír la palabra "vals", enseguida se relaciona con música clásica, pero lo cierto es que el vals sólo es una forma musical y puede estar en cualquier estilo, por ejemplo en forma de rancheras mexicanas, aunque el Swing siempre es el ritmo más usado (el cual es de 4/4, en patrón F, d, F, d). Frédéric Chopin, el gran compositor y pianista polaco, aportó una cantidad de excelentes valses para piano y, entre ellos, el vals más breve denominado Vals del Minuto. Los Strauss también destacaron como grandes compositores de valses, especialmente Johann Strauss hijo. En Latinoamérica existen diversas variantes como el vals peruano, vals venezolano, el vals colombiano, el vals brasileño y el vals ecuatoriano con características que difieren de país a país.
Podemos decir con exactitud que tanto estos compositores como otros muchos, han llegado a formar una música que ha participado en el desarrollo artístico, tan importante para los humanos. Se conocen, por ejemplo, de Tchaikovsky piezas tan famosas como el Vals de El cascanueces, el Vals de La bella durmiente o el Vals de El lago de los cisnes, del mismo modo que habremos oído piezas de Strauss tales como Sangre Vienesa, el Vals de los Novios o el Vals del Emperador
ESCULTURA: Puertas del Baptisterio de Florencia
La Florencia del Renacimiento fue reconocida, entre otros motivos, por su esplendor cultural, por el mecenazgo, el apoyo y la consideración que recibían los artistas para impulsar el nuevo movimiento artístico y filosófico. Con este espíritu, Florencia promocionaba “concursos” para que sus monumentos públicos fueran diseñados por los mejores creadores del momento, apartándose del arte gótico, que consideraban frío y oscuro.
La primera puerta del Baptisterio fue decorada por Andrea Pisano en 1330. Para la decoración de la segunda se convocó un concurso al que se presentaron Jacopo della Quercia, Lorenzo Ghiberti, Francesco de Valdambrino y Filippo Brunelleschi. El elegido fue Ghiberti, quien finalizó esta puerta en 1424: está compuesta por 28 escenas de la vida de Jesús, los Evangelistas y los Padres de la Iglesia. Al contrario de lo que era habitual en los relieves de la época, el fondo se utiliza como elemento plástico y forma parte de la representación. Con esta obra de arte, Ghiberti, partiendo de un punto de vista gótico, renovó el lenguaje escultórico modelando suavemente las figuras y su entorno.
Su estilo llegará a su punto álgido con la tercera puerta, cuya decoración fue realizada entre 1425 y 1452. En ella, Ghiberti aplica un tratamiento pictórico a las esculturas; este nuevo concepto le permite perfeccionar la perspectiva, la anatomía, la composición y el movimiento en sus esculturas. Sólo tiene 10 relieves que representan temas bíblicos, en ellos, el paisaje representa un escenario sobre el que los personajes ocupan un lugar, respetando el espacio, la proporción y el volumen. El resultado consigue tal belleza que Miguel Ángel la llamó La Puerta del Paraíso.
La primera puerta del Baptisterio fue decorada por Andrea Pisano en 1330. Para la decoración de la segunda se convocó un concurso al que se presentaron Jacopo della Quercia, Lorenzo Ghiberti, Francesco de Valdambrino y Filippo Brunelleschi. El elegido fue Ghiberti, quien finalizó esta puerta en 1424: está compuesta por 28 escenas de la vida de Jesús, los Evangelistas y los Padres de la Iglesia. Al contrario de lo que era habitual en los relieves de la época, el fondo se utiliza como elemento plástico y forma parte de la representación. Con esta obra de arte, Ghiberti, partiendo de un punto de vista gótico, renovó el lenguaje escultórico modelando suavemente las figuras y su entorno.
Su estilo llegará a su punto álgido con la tercera puerta, cuya decoración fue realizada entre 1425 y 1452. En ella, Ghiberti aplica un tratamiento pictórico a las esculturas; este nuevo concepto le permite perfeccionar la perspectiva, la anatomía, la composición y el movimiento en sus esculturas. Sólo tiene 10 relieves que representan temas bíblicos, en ellos, el paisaje representa un escenario sobre el que los personajes ocupan un lugar, respetando el espacio, la proporción y el volumen. El resultado consigue tal belleza que Miguel Ángel la llamó La Puerta del Paraíso.
MÚSICA: The Eagles
La historia de Eagles comienza cuando Glenn Frey (cantante, guitarrista y compositor) y su amigo Don Henley (batería y cantante) se unen a la banda que acompañaba a Linda Ronstadt en la grabación de su disco "Silk Purse". Tras dos años de colaborar con dicha banda, ambos deciden abandonarla para crear su propio grupo. Para ello invitan a los músicos Bernie Leadon (cuerda) y Randy Meisner (bajo) a participar en el proyecto. A ellos se les unieron posteriormente Joe Walsh (guitarra y coros), Don Felder (guitarra) y Timothy B. Schmit (bajo).
The Eagles debutaron en 1972, rescatando el sonido sureño, mezclándolo con un exquisito toque de guitarra y un toque de rock un tanto suave, además de pinceladas de country y western. De el primer álbum homónimo de Eagles se desprendió el primer sencillo "Take it easy".
Su segundo álbum fue "Desperado" en 1973 con mucha tendencia western y country. En él se encuentran dos de sus sencillos más famosos: "Desperado" y "Tequila Sunrise". El tercer álbum de Eagles apareció en 1975 bajo el título de "On the Border", en el que destacó la balada "The best of my love", que llegó al número uno en las listas. El siguiente trabajo de la banda fue "One of These Nights", que plasmaba la desilusión de la juventud estadounidense a mediados de la década de los setenta. Tras las presiones para la publicación de este disco, Bernie Leadon abandonó los Eagles, siendo sustituido por Joe Walsh, quien introdujo en la banda un mayor peso del rock.
El sexto álbum llevaba el título de "The Long Run", y supuso la ruptura de la formación. El disco resultó un éxito, con temas como "Heartache Tonight", "The Long Run" y "I Can't Tell You Why", pero los miembros de la banda ya habían decidido su futuro. El disco se grabó prácticamente a distancia, con los miembros de la banda a cientos o miles de kilómetros de cada uno. Corría el año 1980. Don Henley, Glenn Frey y Joe Walsh iniciaron carreras en solitario. Por eso época salen al mercado dos álbumes más. El primero es un recopilatorio de temas en directo: "Live". El segundo es la segunda parte del primer recopilatorio, aunando los éxitos a partir de "Hotel California".
En 1994, tras catorce años de separación y después de rechazar ofertas multimillonarias por volver a tocar juntos, los Eagles deciden unirse de nuevo para seguir su carrera. Su primer trabajo de esta nueva época es el álbum "Hell Freezes Over" (El Infierno se congela), con cuatro nuevos temas y 11 éxitos anteriores. El nombre del disco fue dado por Don Henley. Cuando le preguntaban cuándo volverían los Eagles, éste respondía diciendo: "...cuando el infierno se congele...".
En 2003 Eagles publica un doble disco recopilatorio con sus mejores temas. El título es "The complete greatest hits".
Y en 2007 publican "Long Road Out of Eden", séptimo y último álbum de estudio de la banda, del cual se desprende como primer sencillo .
DANZA: Hawaiano
Se define que es el baile que habla con las manos, todas las canciones son historias y los movimientos son alusivos a simular el mar y la luna, por mencionar algunos.No existe una técnica “única”, ya que cada escuela (halau) tiene su propio estilo, lo que sí existen son pasos estandarizados.Los pasos básicos de la danza hawaiana son los siguientes: Kaholo (desplazamiento hacia los lados).Uwege (impulso de rodillas al frente). Ami (Giro de caderas). Lele (caderas a la izquierda y derecha suavemente). Hela (Estirando las piernas cuando se está un poco flexionado). Kalakaua (giros con desplazamiento en lateral).
LAS BONDADES
1. Proporciona una silueta delgada.
2. Mantiene el abdomen en forma
3. La cintura está libre de exceso de grasa.
4. Brinda ejercicio para todo el cuerpo.
5. Ayuda a quemar grasa.
6. Se propicia la buena coordinación, porque todo el cuerpo se mueve.
7. Al ejercitar la cintura, se utilizan al mismo tiempo las muñecas, manos, brazos y piernas.
1. Proporciona una silueta delgada.
2. Mantiene el abdomen en forma
3. La cintura está libre de exceso de grasa.
4. Brinda ejercicio para todo el cuerpo.
5. Ayuda a quemar grasa.
6. Se propicia la buena coordinación, porque todo el cuerpo se mueve.
7. Al ejercitar la cintura, se utilizan al mismo tiempo las muñecas, manos, brazos y piernas.
PINTURA: Body Painting
La pintura corporal o body painting es una pintura artística aplicada a la piel y es considerada como una de las primeras formas de expresión plástica utilizadas por nuestros antepasados. A las puertas de la humanidad, nuestros antepasados descubren la tierra coloreada, el carbón de madera, la tiza, la sangre de los animales y muchos otros colores que sirven quizá para impresionar al enemigo, en forma de pintura de guerra, o de señal reconocimiento en una tribu. Esta técnica de maquillaje primitivo pudo también servir de camuflaje para la caza.
Probablemente incluso antes de que la primera piedra fuese grabada, el hombre aplicaba pigmentos sobre su cuerpo para afirmar su identidad, la pertenencia a su grupo y situarse con relación a su ambiente. Esta práctica ilustrada se convierte en un instrumento de transformación. Los dibujos y los colores permiten cambiar de identidad, señalar la entrada en un nuevo estado o grupo social, definir una posición ritual o reafirmar la pertenencia a una comunidad determinada, o sirven sencillamente de ornamento.
La pintura corporal, reaparece en Occidente a finales del siglo XX. Arte transitorio, el pintor crea un dibujo sobre su modelo. Se le consagran varios festivales, entre ellos el de Seeboden en Austria "World bodypainting festival" y el de Bruselas en Bélgica en el Festival Internacional de la película fantástica, "The International Body Painting Contest".
Probablemente incluso antes de que la primera piedra fuese grabada, el hombre aplicaba pigmentos sobre su cuerpo para afirmar su identidad, la pertenencia a su grupo y situarse con relación a su ambiente. Esta práctica ilustrada se convierte en un instrumento de transformación. Los dibujos y los colores permiten cambiar de identidad, señalar la entrada en un nuevo estado o grupo social, definir una posición ritual o reafirmar la pertenencia a una comunidad determinada, o sirven sencillamente de ornamento.
La pintura corporal, reaparece en Occidente a finales del siglo XX. Arte transitorio, el pintor crea un dibujo sobre su modelo. Se le consagran varios festivales, entre ellos el de Seeboden en Austria "World bodypainting festival" y el de Bruselas en Bélgica en el Festival Internacional de la película fantástica, "The International Body Painting Contest".
TEATRO: Romeo y Julieta
La historia se desarrolla en Verona, en donde viven dos familias que son rivales, los Montesco y los Capuleto. Romeo, único heredero de los Montesco, entra sin ser invitado al baile de mascara de los Capuleto, en el que conoce a Julieta, hija única de los Capuleto; ambos se enamoran a primera vista. Sabiendo que sus padres jamás permitirán su unión, se casan en secreto, con ayuda de Fray Lorenzo. El mismo día de la ceremonia, Teobaldo insulta a Romeo, a pesar de ello este último rehusa batirse. Pero Mercutio, el mejor amigo del joven Montesco, entabla duelo a muerte con Teobaldo.
Romeo trata de separarlos y Teobaldo aprovecha para herir mortalmente a Mercutio. Romeo, entonces reta a Teobaldo y venga a su amigo matando a su adversario. El Príncipe de Verona, indignado por los sucesos, condena a Romeo al destierro o a la muerte. Romeo se encuentra desesperado, porque estará separado de Julieta, pero Fray Lorenzo le aconseja escape a Mantua, hasta que pueda ser publicado su matrimonio con Julieta y se reuna con ella. Romeo huye a Mantua después de una última entrevista con Julieta. El Conde Paris, pariente del príncipe, pide la mano de Julieta y le es concedida.
Julieta se niega y pide auxilio a Fray Lorenzo, quien le aconseja que acepte la boda y le entrega un pequeño franco con un elixir que la sumirá en estado cataléptico, parecido a la muerte. Le indica tomarlo la noche anterior a la boda y se compromete a estar con ella cuando despierte en la cripta de su familia, acompañado de Romeo, después ambos jóvenes escaparían. Fray Lorenzo envía un mensajero a Romeo (Fray Juan) para que venga por Julieta en el momento de despertar. Sin embargo, el mensajero no encuentra a Romeo, ya que este avisado por su criado (Baltasar) de que Julieta ha muerto, sale inmediatamente hacia Verona.
Romeo llega a la cripta de los Capuleto encontrándose con Paris, que iba a depositar flores a su futura esposa. El Conde se indigna al ver a Romeo, ambos se baten, resultado vencedor el joven. Romeo se acerca a Julieta, la besa por última vez y toma veneno, falleciendo a los pies de su amada. En ese momento llega Fray Lorenzo, quien se atemoriza al ver los cuerpos de Paris y Romeo. Julieta despierta y el fraile trata de convencerla para que huya con él, pero la joven se niega al ver a su esposo muerto.
Fray Lorenzo se va y Julieta se acerca a Romeo, lo besa y se hiere con el puñal de su esposo, muriendo abrazando a su amado. Los guardias aprenden a Fray Lorenzo y a Baltasar. Fray Lorenzo revela la verdad ante el Príncipe de Verona, los Montesco y los Capuleto. Con la muerte de Romeo y Julieta, se sella la paz entre las dos familias rivales.
ARQUITECTURA: Stonehenge
El condado de Wiltshire, en el sur de Inglaterra, en la región caliza existente entre Amesbury y Warminster, no muy lejos del río Avon, se encuentra Stonehenge (Stone = piedra; Henge = monumento con borde circular), el monumento megalítico más extraordinario y enigmático del mundo. Desde la antigüedad, Stonehenge ha despertado la atención y la admiración de los visitantes por su extraña y sorprendente arquitectura. No hay actualmente nada en el mundo que de manera alguna pueda compararse con este misterioso santuario, construido no con argamasa y piedra, sino simplemente con grandes bloques rectangulares de piedras.
Se ha querido ver este monumento como la obra de un pueblo de los tiempos históricos, más bárbaro quizá que sus vecinos, pero hay que reconocer que la cuidadosa conformación y perfecto acabado de los grandes monolitos, el uso de piedras colocadas horizontalmente para la formación de los dinteles, y sobre todo la coherencia y armonía del conjunto como obra de arquitectura, ponen a Stonehenge muy pronto por encima de las construcciones ordinarias megalíticas prehistóricas de Europa Occidental. Por ello no debe sorprender el interés de las gentes y la fama de Stonehenge. Durante centenares de años, científicos e investigadores han rivalizado por encontrar el origen y significado de este monumento, pero, a pesar de tantas cábalas e hipótesis, lo cierto es que el misterio del significado de las ruinas de Stonehenge sigue en pie.
A continuación de la zanja circular, hacia el interior del círculo de tierra, hay 50 hoyos circulares formando una circunferencia o anillo en torno al monumento. La mitad de estos hoyos o fosas, llamados de Aubrey desde el siglo XVII, en honor a su descubridor, han sido excavados y marcados con cal, destacándose alrededor de Stonehenge como enorme collar de grandes perlas blancas. Estos hoyos parecen ser túmulos de enterramientos, sin urnas ni objetos funerarios, pero con señales de cremación, como si se hubiesen utilizado para determinados sacrificios o ceremonias en honor de ignorados dioses.
En el interior de este círculo de hoyos se encuentra enclavado el conjunto arquitectónico de monolitos de Stonehenge, que consta de dos partes: un círculo exterior de diámetro y una construcción interior en forma de herradura.
Al principio, cuando el monumento no había sido deteriorado por el paso del tiempo y por los continuos saqueos de los habitantes de la zona, que acudían a ese santuario para llevarse las piedras, el círculo estaba formado por 30 columnas unidas por un dintel continuo de bloques cortos, los cuales montaban encima de las columnas o monolitos de tal manera que cada uno se apoyaba en dos columnas consecutivas. Todas estas columnas o menhires son de sersen, una clase de piedra arenisca que se encuentra en los Marlborough Downs, a unos 30 Km. al norte de Stonehenge, y cada uno pesa alrededor de 25 toneladas. Los bloques colocados en cima, formando el dintel, también son de sersen y pesan alrededor de 7 toneladas cada uno.
La construcción interior, en forma de herradura, es un conjunto de cinco trilitos. Cada uno de ellos consiste en dos menhires de unas 45 toneladas, coronados por un enorme bloque que forma el dintel. Todos ellos también son de sersen.
Como puede comprenderse, este peristilo de monolitos y la herradura interior causan admiración no solo por su grandeza sino por la precisión y finura del trabajo que ejecutaron sus misteriosos constructores. Producen también grata impresión a la vista por su coloración gris y la erosión producida por la acción del agua y el viento en el transcurso de los siglos.
MÚSICA: Mariachi
El Mariachi, es un grupo musical conformado generalmente por 7 y hasta 12 músicos, pero no existe un límite. Los instrumentos indispensables son la vihuela, guitarra, guitarrón, violines y trompetas, aunque en ocasiones se le añaden flauta y arpa. El acordeón no es un instrumento de mariachi, pero fuera de México se lo añaden con frecuencia.
"Mariachi" no es un género musical, ya que los conjuntos de Mariachi tocan música de diversos estilos: sones jaliscienses, canciones rancheras, corridos, huapangos, bolerosy en ocasiones sones jarochos y valses mexicanos. El género podría llamarse "Tradicional Mexicano" o "Regional Mexicano".
"Mariachi" no es un género musical, ya que los conjuntos de Mariachi tocan música de diversos estilos: sones jaliscienses, canciones rancheras, corridos, huapangos, bolerosy en ocasiones sones jarochos y valses mexicanos. El género podría llamarse "Tradicional Mexicano" o "Regional Mexicano".
Los primeros conjuntos de mariachi, tocaban exclusivamente sones y vestían como lo que eran: campesinos de la provincia Colonial de La Nueva Galicia, hoy Colima, Nayarit y Jalisco ataviados de manta de algodón y usaban un sombrero de paja de trigo. A principios del siglo XX, tal como venían haciendo los integrantes de las orquestas típicas comenzaron a presentarse con el traje de charro, mismo que a fin de hacerlo más espectacular han venido modificando mediante colores y ornamentos distintos a los trajes de charro llegando con mucha frecuencia a desvirtuar casi completamente el llamado atuendo nacional mexicano.
Los grupos actuales de mariachi visten generalmente de negro o blanco. De acuerdo al reglamento, el traje tradicional de Charro negro es para ceremonias tales como bodas o funerales y el blanco no se utiliza, pero muchos mariachis y los cancioneros y bailarines utilizan cualquier color y combinación así como ornamentos que se alejan de la tradición mexicana.
Estas vestimentas se adornan con calados de gamuza y/ o con botonaduras, que pueden ser de metal troquelado (fabricado en serie) o bien de manera artesanal ya sea de plata o acero vaciado. Los verdaderos sombreros de charro y de mariachi son artesanías exiquisitas y tienen muy poco que ver con los que se venden en las tiendas de recuerdos para turistas.
En la ciudad de Guadalajara cada año tiene lugar el Encuentro Internacional del Mariachi y la Charrería, este evento está dividido en dos aspectos: a) el deportivo, con encuentros y competiciones de charros y b) el musical con conciertos y presentaciones de grupos de mariachis. Cada año, llegan conjuntos de mariachi de países como Serbia, Finlandia, Colombia, España y Japón, además de los que se presentan agrupaciones de toda Latinoamérica. Además de concursos y conciertos, se imparten talleres y clínicas que han ayudado a los grupos fuera de México a mejorar su vestimenta y sobre todo su estilo y técnica interpretativa.
El cine mexicano de corte nacionalista de los años 1940s y 1950s dio a conocer internacionalmente al mariachi por medio de las películas protagonizadas por Tito Guízar en Estados Unidos y por Jorge Negrete o Miguel Aceves Mejía en Latinoamérica y Europa.
En el Distrito Federal se puede contratar a grupos que tocan por precios accesibles en la Plaza de Garibaldi, ubicada en el populoso centro histórico.
Los conjuntos de mariachi son muy conocidos en toda Latinoamérica teniendo especial arraigo en Colombia. En Estados Unidos, son muy famosos debido a la penetración de la cultura inmigrante mexicana y son indispensables en fiestas como la del Cinco de Mayoque es la más importante para la comunidad mexicano-estaounidense.
Los primeros mariachis femeniles aparecieron en la Ciudad de México a mediados del siglo XX, actualmente se conocen diversas agrupaciones de Mariachi Femenil. Una de las primeras en darse a conocer es "Las Perlitas Tapatías", en el estado de Jalisco.
La inmigración ha contribuido a la difusión de la cultura mexicana en Europa, donde poco a poco empieza a formar parte de las fiestas populares y celebraciones familiares, como en España debido en gran medida a los emigrantes españoles repatriados. Y es precisamente España, donde existen más agrupaciones de mariachis.
Actualmente se ha generado La Asociación Mariachi México, ubicada en la Ciudad de México, que busca difundir y dignificar al Mariachi, desde la cuna del mariachi.
PINTURA: Abstracta
El arte abstracto es un movimiento artístico que surgió alrededor de 1910 y cuyo propósito es prescindir de todos los elementos figurativos, para así concentrar la fuerza expresiva en formas y colores sin ninguna relación con la realidad visual. Pintura abstractaEn la pintura abstracta, la obra de arte se convierte en una realidad autónoma, sin conexión con la naturaleza y, como consecuencia, ya no se representa hombres, paisajes, casas o flores, sino simplemente combinaciones de colores que intentan expresar la necesidad interior. Una de las características principales de la pintura abstracta es el uso de un lenguaje sin forma y la libertad cromática.
El ruso Wasily Kandinsky es el artista que impulsa la pintura no figurativa en Munich, a principios del siglo XX. “En el campo pictórico, una mancha redonda puede ser más significativa que una figura humana”, señala el pintor. Para él, el elemento interior determina la obra de arte. En 1921 Kandinsky se traslada a Berlín dónde se incorpora a la escuela de diseño, arte y arquitectura de la Bauhaus. En esta escuela se encuentra otro de los artistas destacados en la pintura abstracta, el suizo Paul Klee. El maestro explicaba en sus clases y en sus escritos cómo los elementos gráficos (el punto, la línea, el plano y el espacio) adquieren significado mediante una descarga de energía dentro de la mente del artista.Escultura abstractaA lo largo del siglo XX ha habido muchos artistas plásticos que han pasado por la abstracción. La escultura abstracta persigue los mismos fines que la pintura abstracta. Hans (Jean) Arp, pintor y escultor francoalemán es uno de los máximos exponentes de este tipo de escultura. Arp aplicaba las formas de sus pinturas en un arte de tres dimensiones, desarrollando una iconografía de formas orgánicas conocida como escultura biomórfica, en la que se trata de representar lo orgánico como principio formativo de la realidad.Otro de los escultores que se fija en la abstracción es Naum Gabo Pevsner, con obras como “Columna desarrollada” o “La columna de la paz”, dónde cuatro ángeles desean materializar el espacio. El artista español Eduardo Chillida fue otro de ellos. Representante de la abstracción plena, Chillida abandonó sus estudios de arquitectura para esculpir bloques enormes de hierro en los que parece haber representado el punto de unión entre la arquitectura y la escultura.
El expresionismo abstracto es el primero de los grandes movimientos artísticos de la posguerra. Es, de hecho, la trayectoria que siguió la pintura abstracta a partir de los años 1940 en Europa y en América. Tiene sus raíces en el surrealismo , el movimiento más importante del periodo preguerra. En este nuevo estilo, también denominado “informalismo”, un grupo de artistas llamados “pintores de la materia”, intentaron establecer una variante del collage. Mediante mezclas de arena, yeso y otros materiales, consiguieron dotar de una rugosidad tridimensional (propia de la escultura) a una tela plana. Este polémico estilo fue fundado por Jackson Pollock y Willem de Kooning. Para referirse a él se usa también los términos Action Painting (Pintura de Acción), acuñado por el crítico Harold Rosemberg, y American Type Painting (Pintura de tipo americano), utilizado por Clement Greenberg, para distinguirla de la pintura europea.
El grupo lo forman otros artistas como Mark Rothko, Baziotes, Gorky, Gottlieb, Guston, Louise Nevelson, Hofmann, Kline, Motherwell, Newman, Jackson Pollock, Pousette- Dart, Reinhardt, y Still. Otro grupo de artistas relacionados con el expresionismo abstracto son los denominados “tachistas” (de tache, mancha). Ellos creían en el poder surgido de las manchas. Se dieron cuenta que con manchas y pastas nuevas era posible representar la textura de la materia. Un ejemplo de este tipo de arte es la pintura gestual del artista francés Michaux.
ESCULTURA: Esculturas de arena
Un castillo de arena es una escultura hecha de arena, normalmente un castillo, que se suele construir en playas. Aunque popularmente se construyen por diversión (especialmente los niños), también está considerado como una forma de arte, llegando algunos de ellos a alcanzar los 9 metros de altura. Hay numerosos concursos de construcción de castillos. Otra modalidad consiste en hacer esculturas que no sean castillos (como estatuas, rostros, etc) con la arena, aunque no está tan extendida.
Historia
No existe una fecha exacta para datar la invención de las esculturas hechas en arena (los egipcios utilizaban la arena para hacer modelos a escala de las pirámides que iban a construir), pero la construcción de castillos de arena con fines artísticos comenzó en Estados Unidos a principios del siglo XX. Los concursos y exposiciones tuvieron también allí su origen, y en 1990 se extendieron por Europa. Hoy en día, el concurso más famoso de castillos de arena, tiene lugar en Sydney. El castillo de arena más alto fue construido en el año 2003 en Estados Unidos y mide 8,91 metros.
Materiales.
Los castillos de arena están formados por agua y arena. Para construir un castillo pequeño se puede utilizar arena común, pero para construir uno de mayores dimensiones (de más de uno o dos metros de altura), normalmente para presentarlo en un concurso o exposición, se necesita un tipo de arena especial, que en vez de tener una forma ovalada como la arena común de la playa, tiene una forma cúbica, lo que ayuda a que los granos tengan una mayor sujeción y se puedan construir castillos de varios metros de altura. Dependiendo de la calidad de la arena y de la construcción, un castillo de arena puede durar varios años, ya que son resistentes al fuerte viento, la lluvia y la nieve.
MÚSICA: Ludwig van BEETHOVEN
Ludwig van Beethoven (Bonn, 16 de diciembre de 1770 — Viena, 26 de marzo de 1827) fue un compositor y pianista alemán. Su legado musical se extendió, cronológicamente, desde el períod clásico hasta inicios del romanticismo musical.
Considerado el último gran representante del clasicismo vienés (después de Gluck, Haydn y Mozart), Beethoven consiguió hacer trascender a la música del romanticismo, motivando a la influencia de la misma en una diversidad de obras musicales a lo largo del siglo XIX. Su arte se expresó en numerosos géneros, y aunque las sinfonías fueron la fuente principal de su popularidad internacional, su impacto resultó ser mayormente significativo en sus obras para piano y música de cámara.
El padre de Beethoven, quien a los siete años daba conciertos, quería que su hijo siguiera la trayectoria de Mozart y se convirtiera en músico, al igual que él. Con la intención de convertirlo en un nuevo niño prodigio, comenzó a enseñarle piano, órganoy clarinete a temprana edad. La tragedia de su prematura sordera le causó un enorme desánimo, sin embargo lo anterior no imposibilitó su habilidad para crear nuevas composiciones. A principios del siglo XX, el escritor Romain Rolland describió la vida de Beethoven en la afirmación, "...logró hacerse notable entre los grandes músicos. Su ejemplo es la más heroica resistencia del arte moderno."
Considerado el último gran representante del clasicismo vienés (después de Gluck, Haydn y Mozart), Beethoven consiguió hacer trascender a la música del romanticismo, motivando a la influencia de la misma en una diversidad de obras musicales a lo largo del siglo XIX. Su arte se expresó en numerosos géneros, y aunque las sinfonías fueron la fuente principal de su popularidad internacional, su impacto resultó ser mayormente significativo en sus obras para piano y música de cámara.
El padre de Beethoven, quien a los siete años daba conciertos, quería que su hijo siguiera la trayectoria de Mozart y se convirtiera en músico, al igual que él. Con la intención de convertirlo en un nuevo niño prodigio, comenzó a enseñarle piano, órganoy clarinete a temprana edad. La tragedia de su prematura sordera le causó un enorme desánimo, sin embargo lo anterior no imposibilitó su habilidad para crear nuevas composiciones. A principios del siglo XX, el escritor Romain Rolland describió la vida de Beethoven en la afirmación, "...logró hacerse notable entre los grandes músicos. Su ejemplo es la más heroica resistencia del arte moderno."
Me has dado la impresión de ser un hombre con muchas cabezas, muchos corazones y muchas almas.
Extracto de una conversación entre Haydn y Beethoven
Su producción incluye los géneros pianístico (32 sonatas), de cámara (16 cuartetos de cuerda, 7 tríos, 10 sonatas para violín y piano), vocal (lieder y una ópera: Fidelio), concertante (5 conciertos para piano y orquesta, uno para violín y orquesta) y orquestal (9 Sinfonías, oberturas...), así como el ciclo de las "Nueve Sinfonías", entre ellas la Tercera Sinfonía, también llamada Heroica, en mi♭M, la Quinta Sinfonía, en Do y la Novena Sinfonía, en Rem (cuya música del cuarto movimieno, basado en la Oda a la Alegría de Friedrich von Schiller ha sido elegida como Himno de la Unión Europea
Extracto de una conversación entre Haydn y Beethoven
Su producción incluye los géneros pianístico (32 sonatas), de cámara (16 cuartetos de cuerda, 7 tríos, 10 sonatas para violín y piano), vocal (lieder y una ópera: Fidelio), concertante (5 conciertos para piano y orquesta, uno para violín y orquesta) y orquestal (9 Sinfonías, oberturas...), así como el ciclo de las "Nueve Sinfonías", entre ellas la Tercera Sinfonía, también llamada Heroica, en mi♭M, la Quinta Sinfonía, en Do y la Novena Sinfonía, en Rem (cuya música del cuarto movimieno, basado en la Oda a la Alegría de Friedrich von Schiller ha sido elegida como Himno de la Unión Europea
ESCULTURA: Teoría
El tamaño, el peso y la proporción son aspectos fundamentales de la pieza escultórica. El tamaño es función de la distancia que la separará del espectador. El tamaño pequeño conviene a aquella obra destinada a la esfera de la vida privada, ya que, en cuanto objeto asible, permite una profunda relación afectiva. Pero cuando su tamaño aumenta debe dirigirse a la comunidad. Lo que era diminuto y delicado llega a ser colosal, y su apreciación reclama una distancia adecuada. La sensación de peso y esfuerzo va unida a la del tamaño [FIGURA 1]. Evidentemente, no son nociones estéticas, pero no pueden dejar de intervenir en la valoración espontánea del espectador.
Una de las observaciones a que llegaron los tratadistas es la diferencia entre el cuerpo del hombre y el de la mujer. Por esta razón en sus tratados hay un capítulo que hace referencia a las proporciones del cuerpo femenino, entre las cuales destaca la relación cabeza-cuello. La cabeza es más larga que en la proporción masculina. De las proporciones se salta a las formas. El cuerpo masculino aparece vinculado a la línea recta y al cubo, sobre todo en los atletas, mientras que el cuerpo femenino deriva de las formas cilíndricas y globulares.
En el Renacimiento florecieron los tratados de las proporciones y se establecieron diversas tipologías. Se apoyaron en la teoría y la estatutaria clásicas, lo que supuso un resurgimiento de los conceptos de Policleto y Vitrubio. Alberti se sirve, para medir, del finitorium, y utilizará el pie como unidad. Leonardo da Vinci se inspira en Vitrubio, pero, científico como era, saca de su experiencia provechosas deducciones sobre la fisiología, el movimiento de los músculos, las flexiones, etc. Llega a la conclusión de que existe una gran diversidad de tipologías, debido a la edad y el sexo. Este mismo carácter experimental se encuentra también en los estudios de Alberto Durero, que formuló varios cánones, en función de la edad, del sexo, las posiciones de frente y de perfil. Sus textos tuvieron una enorme difusión, sobre todo en España.
Pero paralelamente a la teoría se desarrolla una práctica que tiene en cuenta la realidad, en la que el hombre no es una plasmación matemática y los sujetos son diferentes. De ello deriva una gran flexibilidad en la aplicación de los principios, que no es en absoluto reprobable.
Ha habido deformaciones impuestas por las necesarias correcciones ópticas: el alargamiento de los cuellos en una escultura situada en lo alto implica una desproporción necesaria. Contemplada resulta deforme. Por otro lado los estilos han impuesto desproporciones requeridas por la expresión. Así, la espiritualidad del románico deformó sus figuras en beneficio de la verticalidad. Tal desproporción es «artística».
La ley de sujeción al marco también obliga a la ruptura de las proporciones. Una escultura románica adherida a una columna (estatua-columna) es por fuerza alargada. Otras veces han sido movimientos puramente estéticos, como el Manierismo, los que alteraron las proporciones reduciendo el tamaño de las cabezas y alargando el cuerpo, consiguiendo figuras cuya belleza está fuera de toda duda.
En resumen, puede decirse que proporción y desproporción son constantes de la historia del arte y por tanto de la escultura. Sólo a la luz de lo que cada período intente expresar podrá medirse la oportunidad y acierto de la conducta artística.
Una de las observaciones a que llegaron los tratadistas es la diferencia entre el cuerpo del hombre y el de la mujer. Por esta razón en sus tratados hay un capítulo que hace referencia a las proporciones del cuerpo femenino, entre las cuales destaca la relación cabeza-cuello. La cabeza es más larga que en la proporción masculina. De las proporciones se salta a las formas. El cuerpo masculino aparece vinculado a la línea recta y al cubo, sobre todo en los atletas, mientras que el cuerpo femenino deriva de las formas cilíndricas y globulares.
En el Renacimiento florecieron los tratados de las proporciones y se establecieron diversas tipologías. Se apoyaron en la teoría y la estatutaria clásicas, lo que supuso un resurgimiento de los conceptos de Policleto y Vitrubio. Alberti se sirve, para medir, del finitorium, y utilizará el pie como unidad. Leonardo da Vinci se inspira en Vitrubio, pero, científico como era, saca de su experiencia provechosas deducciones sobre la fisiología, el movimiento de los músculos, las flexiones, etc. Llega a la conclusión de que existe una gran diversidad de tipologías, debido a la edad y el sexo. Este mismo carácter experimental se encuentra también en los estudios de Alberto Durero, que formuló varios cánones, en función de la edad, del sexo, las posiciones de frente y de perfil. Sus textos tuvieron una enorme difusión, sobre todo en España.
Pero paralelamente a la teoría se desarrolla una práctica que tiene en cuenta la realidad, en la que el hombre no es una plasmación matemática y los sujetos son diferentes. De ello deriva una gran flexibilidad en la aplicación de los principios, que no es en absoluto reprobable.
Ha habido deformaciones impuestas por las necesarias correcciones ópticas: el alargamiento de los cuellos en una escultura situada en lo alto implica una desproporción necesaria. Contemplada resulta deforme. Por otro lado los estilos han impuesto desproporciones requeridas por la expresión. Así, la espiritualidad del románico deformó sus figuras en beneficio de la verticalidad. Tal desproporción es «artística».
La ley de sujeción al marco también obliga a la ruptura de las proporciones. Una escultura románica adherida a una columna (estatua-columna) es por fuerza alargada. Otras veces han sido movimientos puramente estéticos, como el Manierismo, los que alteraron las proporciones reduciendo el tamaño de las cabezas y alargando el cuerpo, consiguiendo figuras cuya belleza está fuera de toda duda.
En resumen, puede decirse que proporción y desproporción son constantes de la historia del arte y por tanto de la escultura. Sólo a la luz de lo que cada período intente expresar podrá medirse la oportunidad y acierto de la conducta artística.
DANZA: Tango
Se dice que bailar Tango es "caminar con firulete". Esta definición ilustra el espíritu del baile sin demasiada teoría, pero como en cada compás siempre se mueve un pie, o sea, si en un compás se desplaza un pie, en el siguiente deberá desplazarse el otro, se asemeja a caminar. El tango posee amplias posibilidades coreográficas, constituyendo un espectáculo de singular belleza visual. Es importante diferenciar el baile coreografico del improvisado. En el primero, prima la habilidad de los bailarines, generalmente profesionales, que danzan en la búsqueda de un espectáculo. El baile "amateur", donde las figuras no obedecen al armónico resultado de ensayos previos sino que tienen a la improvisación como protagonista, busca lucimientos personales en pos del real espíritu del tango: la seducción. El "firulete", que en este caso se refiere a los pasos que la pareja realiza como muestra de destreza para adornar el baile y seducir, es el detalle que transforma el tango en un vistoso espectáculo.
El tango no es un baile que pueda realizarse de forma individual, tiene a la pareja como unidad básica e indivisible. La mujer seduce y el hombre conduce. Es el hombre el que cobija a la mujer y la sostiene, la dama se desenvuelve en todo el baile bajo el amparo del mismo, rompiendo el equilibrio para recostarse sobre su pecho. La actitud de entrega de la mujer la deja en una posición de dependencia y el que manda es el hombre: él decide cuándo, dónde y con qué velocidad se generan los movimientos. La tarea de la mujer no es, sin embargo, menos importante: ella debe acompañar la propuesta e interpretar a su compañero en un juego de seducción donde la fragilidad y delicadeza de su desempeño tienen un papel preponderante. Esta relación es la base del tango. variantes que el tango permite hacen necesaria una comunicación fluida y unívoca entre los bailarines
Ya sea en la improvisación como en la cuidadosamente ensayada coreografía, cada pareja crea su propio código de comunicación. Comúnmente, la mano derecha del caballero es aquella que toma a la mujer por la espalda y con la que generalmente se indican los giros y movimientos hacia adelante. Con la mano, el hombre "acomoda" la cintura de la mujer indicando el movimiento de rotación que debe realizar. Cuando el hombre presiona con los dedos, indica un giro en sentido contrario a las agujas del reloj; por el contrario, cuando la presión es realizada con la parte baja de la palma, se indica un giro en el sentido de las agujas del reloj. Una presión de la mano atrayendo a la mujer le indica que inicie un movimiento hacia adelante. La mano izquierda y los hombros son los utilizados para indicar desplazamientos laterales y retrocesos, y también acompañan las rotaciones. Un dato importante a considerar es la tonicidad del brazo libre (derecho de la dama, izquierdo del caballero). El brazo debe poseer tonicidad, esto es, ofrecer resistencia pero manteniendo la flexibilidad, así se hace posible que el hombre use como palanca, como extensión del cuerpo el brazo izquierdo de la mujer para indicar un desplazamiento lateral (si el mismo debe realizarse hacia la izquierda del hombre, podrá apreciarse su utilidad y si se pretende que sea hacia la derecha podrá observarse la importancia de la tonicidad). La tonicidad de los brazos también es importante a la hora de indicar un retroceso a la mujer: si existe firmeza el avance del hombre tendrá un natural acompañamiento hacia atrás de la dama, si los brazos están flojos se la "llevará por delante".
LITERATURA: Cuentan de un sabio que un día
Esta es una poesía que recité cuando estaba en preprimaria, y gané el concurso, muy bonita poesía la verdad, aquí se las dejo
Cuentan de un sabio que un día
tan pobre y mísero estaba,
que sólo se sustentaba de unas hierbas que cogía.
¿Habrá otro, entre sí decía,
más pobre y triste que yo?;
y cuando el rostro volvió
halló la respuesta, viendo
que otro sabio iba cogiendo
las hierbas que él arrojó.
Cuentan de un sabio que un día
tan pobre y mísero estaba,
que sólo se sustentaba de unas hierbas que cogía.
¿Habrá otro, entre sí decía,
más pobre y triste que yo?;
y cuando el rostro volvió
halló la respuesta, viendo
que otro sabio iba cogiendo
las hierbas que él arrojó.
TEATRO: El teatro griego
El teatro es el reflejo de la vida humana, es decir, en el hombre existe una necesidad de recrear su existencia a través de el espectáculo y la ficción.Uno de los elementos que acompaña al teatro griego es la danza, la cual proporciona impulso y ritmo. Así pues con movimientos y con gestos nos va trazando ideas, pensamientos, va mostrando sentimientos. La música exalta las ideas a través de las apariciones de coros, los cuales narran parte de las ideas que se van desarrollando a lo largo de la trama, así como enfatizan emociones y sentimientos de los personajes y de la historia que se escenifica.Es en Grecia donde se recrea el mundo, donde los fantasmas adquieren corporeidad.
El actor se metamorfosea en héroes prototípicos de la antigüedad, Dioses y demás personajes, ofreciendo a los ojos y al espíritu una deidad, un hombre, resucitado y palpable."Prometeo desvanecido en las nubes del Cáucaso, vuelve a su roca y reabre la herida cicatrizada para que picotee el buitre; Agamenón sale de su sepulcro de Argos para retroceder nuevamente bajo el hacha de Clitemnestra; Edipo se levanta de su ignorada tumba, contempla el sol de los vivos, reaparece llenando con sus lamentaciones el palacio de Tebas y muere por segunda vez, sobre el Citerón".1 El teatro griego, es un teatro de la ciudad, que estaba organizado por el Estado para ilustrar a la población sobre los momentos decisivos de la vida humana; la representación teatral estaba destinada a las multitudes y a ser presentada al aire libre; nunca se juzgó la inteligencia del auditorio, ya que se exigía la atención y la concentración de los asistentes, por ello los creadores de las obras se preparaban para espectadores aplicados y críticos, trayendo como resultado un teatro griego con géneros dramáticos claramente clasificados en forma, contenido y lenguaje: cada elemento estaba en el lugar y en el momento preciso, cada palabra debía cumplir su exacta ficción.
LA ILIADA Y LA ODISEA
La historia de la poesía griega es la historia de un proceso en que las formas tradicionales van plegándose al arte bajo el toque de algunos hombres ingeniosos. La poesía épica, la lírica y la dramática tuvieron su cuna en formas sencillas que no podrían considerarse como arte, sin embargo los poetas griegos transformaron estos rudimentos en algo distinto, sin prescindir de las características peculiares que contribuyeron a darle forma al conjunto.La épica, la lírica coral y el drama encuentran sus temas en el pasado remoto, en la Edad Heroica y el poeta griego es quien atribuye a sus obras el sentido y la originalidad que desee dentro del marco del mito que envuelve la historia encontrando así, un repertorio de temas tanto trágicos como divertidos.El éxito del creador de las obras radica en convertir un asunto ya manejado en algo innovador y hermoso.Los griegos eran poseedores de un don infantil: la contemplación. Todo era observado con absoluta claridad y concentración, por ello no necesitaban exagerar sus sentimientos con vanas e innecesarias retóricas.
HOMERO
La literatura griega empieza con Homero y sus dos epopeyas, La Iliada y La Odisea, las cuales fueron compuestas hacia el siglo IX o el siglo VIII A.C.Homero, quien procedía de la costa griega del Asia Menor, desarrolló la épica con base en una larga tradición de bardos. Es Homero quien organiza todo este conocimiento dándole forma y estilo. La Iliada y La Odisea son epopeyas heroicas que celebran las hazañas de una generación ya desaparecida y que era capaz de realizar cosas imposibles para los hombres que vivieron después de esa época; .Las epopeyas heroicas son compuestas después de la guerra y la conquista y son los bardos quienes entretienen a sus amos recitando dichos relatos heroicos; y Homero, educado en la rapsodia compone cantos para los oyentes, trasmitiendo dichos mitos asombrosos.
LA ILIADA
En esta epopeya se relata el asedio de Troya, alrededor de ella se relata toda la historia, sus principales personajes están envueltos en combates, se ensalzan virtudes como el honor y la valentía, su tema principal es la cólera de Aquiles, hijo de una diosa. La antítesis de Aquiles es Héctor defensor de Troya. La guerra se desata por una mujer muy hermosa de nombre Helena , quien es raptada por París y llevada a Troya. Menelao esposo de Helena decide rescatarla con ayuda de Aquiles y Agamenón.Estos temas se desarrollan en un mundo de hombres de carne y hueso, sin embargo, dicha historia posee un inigualable toque heroico enfatizando un intenso vigor en las proezas humanas.
LA ODISEA
Es una historia de aventuras, su protagonista es un hombre llamado Odiseo, quien también participó en la guerra de Troya. En esta obra se relata el sufrimiento de Odiseo por regresar a su hogar a lado de sus esposa Penélope, quien se encuentra asediada por los pretendientes, hombres ambiciosos y sin escrúpulos que buscan adueñarse de ella y de los bienes de Odiseo, pero gracias a su astucia y a la ayuda de Atenea, logra llegar a casa y castigar a los pretendientes.A lo largo de la historia se exaltan los valores humanos como el honor, la honestidad y el valor, así como también al ingenio y cortesía que demuestra el héroe en este poema.Homero sentó las bases de la literatura griega, siendo a la vez padre de la Comedia y la Tragedia, muchos poetas aprendieron a manejar la lengua y a expresar mucho en pocas palabras gracias a él, pero nadie podrá igualar en la amplitud inmensa de su creación.
LITERATURA: El cuento más corto del mundo
He aquí el cuento más corto y más famoso del mundo, que consta de sólo siete palabras, escrito por Augusto Monterroso
"Cuando despertó, el dinosaurio todavía estaba ahí..."
"Cuando despertó, el dinosaurio todavía estaba ahí..."
ESCULTURA: La venus
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La estatua se encontró semienterrada, en dos pedazos, el 8 de abril de 1820 en la isla egea de Melos, llamada también Milo, por un campesino llamado Yórgos Kendrotás. Cerca de la estatua se encontraron un fragmento de un antebrazo y la mano con una manzana (En lengua griega, Μήλο significa literalmente manzana) y estos restos son considerados parte de sus brazos. El brazo derecho se piensa que sostenía la túnica, mientras el izquierdo sostenía la manzana del Juicio de Paris, manzana que el troyano Paris hubo de ofrecer a la mismísima Afrodita en testimonio de su decisión en el mítico juicio de bellezas al que fue sometido. Lo cierto es que no está claro si los brazos pudieron perderse despúes del hallazgo moderno de la escultura: Yórgos dejó una mitad de la Venus en el mismo lugar donde la había encontrado por no poder desenterrarla, pensemos que el conjunto tenía un peso de 900 kilos, y la otra mitad la llevó al establo, ofreciéndo en primer lugar la venta de la estatua a un clérigo ortodoxo. En aquéllos momentos se estaba librando la última etapa de la Guerra de la Independencia de Grecia del Imperio Otomano, y el clérigo griego contactó, para eludir a las autoridades turcas, con un oficial naval francés Jules Dumont, quien enseguida reconoció su valor y arreglaron supuestamente entre ambos una oscura compra por el embajador francés en Constantinopla, el Marqués de Riviere. Esta es la versión oficial, aunque algunos historiadores apuntan a que la estatua salío de la isla por la fuerza, perdiendo los dos brazos al golpearse contra las rocas. Lo cierto es que después de algún trabajo de reparación, la estatua fue presentada al Rey Luis XVIII en 1821. Finalmente, el Rey la entregó al Museo del Louvre en París, donde todavía se muestra hoy a la admiración pública. La Afrodita de Milo salió de Grecia el 1 de marzo de 1821, apenas veinte días antes de que la Grecia moderna declarara su independencia del Imperio Otomano, el 25 de marzo de ese mismo año. Pocos años antes, en 1815, el Museo del Louvre había tenido que devolver a Italia, su lugar original, otra escultura famosa, la llamada Venus de Médici, traída a París por Napoleón Bonaparte y que la restaurada monarquía francesa había devuelto a Italia.
ARQUITECTURA: Orgánica
La arquitectura orgánica debe cumplir con 3 requisitos básicos:
1.- Los materiales a usar debieran ser fundamentalmente materiales naturales, y ojala del mismo lugar en que se emplaza la obra y en su estado más natural posible. También pueden ser materiales reciclados (naturales o industriales) la idea de esto, es usar materiales de bajo proceso industrial, o que hayan demandado un bajo nivel de energía en su fabricación. La ley del mínimo esfuerzo, o de máximo ahorro de energía es una constante en la naturaleza, y una de las características de este tipo de arquitectura es, justamente, ser una manifestación mas de la naturaleza respetando sus leyes.
2.- La concepción espacial y formal de la obra debe estar en armonía con su entorno y aceptar cambios y modificaciones inducidas por:
a) Los materiales a emplear, que al ser naturales, no tienen todos la misma forma ni dimensión (troncos, piedras, barro, etc.)
b) Su entorno y realidad física, que a veces no se conocen en su totalidad con anterioridad al proyecto (como rocas bajo el suelo, árboles que “piden” ser incorporados a la obra, vertientes, etc.) la idea de esto es ir siempre a favor de la naturaleza, y no en contra de ella (con esa manía que tiene el ser humano de querer “dominar” la naturaleza y hacer lo que se le ocurre a toda costa sin importar las consecuencias)
3.- La habitabilidad de la obra, debiera considerar sistemas de calefacción o ventilación de bajo consumo energético, tales como energía solar, energía geotérmica, etc., con una buena aislación en sus muros, ventanas y techo.
Todo esto sin llegar a ser fundamentalistas (o intolerantes) ya que una de las características de la naturaleza, es su adaptabilidad y tolerancia.
1.- Los materiales a usar debieran ser fundamentalmente materiales naturales, y ojala del mismo lugar en que se emplaza la obra y en su estado más natural posible. También pueden ser materiales reciclados (naturales o industriales) la idea de esto, es usar materiales de bajo proceso industrial, o que hayan demandado un bajo nivel de energía en su fabricación. La ley del mínimo esfuerzo, o de máximo ahorro de energía es una constante en la naturaleza, y una de las características de este tipo de arquitectura es, justamente, ser una manifestación mas de la naturaleza respetando sus leyes.
2.- La concepción espacial y formal de la obra debe estar en armonía con su entorno y aceptar cambios y modificaciones inducidas por:
a) Los materiales a emplear, que al ser naturales, no tienen todos la misma forma ni dimensión (troncos, piedras, barro, etc.)
b) Su entorno y realidad física, que a veces no se conocen en su totalidad con anterioridad al proyecto (como rocas bajo el suelo, árboles que “piden” ser incorporados a la obra, vertientes, etc.) la idea de esto es ir siempre a favor de la naturaleza, y no en contra de ella (con esa manía que tiene el ser humano de querer “dominar” la naturaleza y hacer lo que se le ocurre a toda costa sin importar las consecuencias)
3.- La habitabilidad de la obra, debiera considerar sistemas de calefacción o ventilación de bajo consumo energético, tales como energía solar, energía geotérmica, etc., con una buena aislación en sus muros, ventanas y techo.
Todo esto sin llegar a ser fundamentalistas (o intolerantes) ya que una de las características de la naturaleza, es su adaptabilidad y tolerancia.
ARQUITECTURA: China
La Gran Muralla China
La construcción de la Gran Muralla China fue ordenada por el Emperador Qin, durante la dinastía del mismo nombre, para defender a su reino contra las tribus nómades merodeadoras; y continuó a través de las sucesivas dinastías chinas. La parte de la muralla que permanece hasta hoy, formaba parte de la Ruta de la Seda y fue construída durante la Dinastía Ming. Se extiende por unos 6.350 kilómetros.
A través de los siglos, los ejércitos se acuartelaron a lo largo de la muralla para advertir cuanto antes sobre una invasión y proveer una primera línea de defensa. Contrario a lo que puede creerse, su propósito no era tanto el de impedir la entrada a China de las tribus nómades del norte y los manchúes, sino el de evitar que robaran propiedades y escaparan de China.
Después de la formación de la Dinastía Qing, la muralla no tuvo ningún uso funcional, ya que el país se encontraba entonces gobernado por la misma gente a la cual se quería mantener alejada con la constucción del muro. Entonces, se convirtió en una fuente de materiales de construcción para las aldeas y pueblos cercanos, que contribuyeron a su deterioro y destrucción.
PINTURA: Realismo
Realismo
Término que designa un movimiento que apareció en Francia en 1848, a raíz de la revolución de ese año (por lo que se vincula a las ideas sociales en favor de los más pobres), y que se extendió hasta 1880. Tiene como antecedentes el redescubrimiento de la pintura holandesa del siglo XVII y la influencia de los maestros barrocos españoles y como movimiento se opuso polémicamente tanto al romanticismo como a la pintura académica.
El realismo es un estilo que refleja la realidad histórica y que no copia objetos mitológicos, religiosos o alegóricos. Su fidelidad al detalle lo diferencia de la glorificación idealizadora romántica, y su concentración en los rasgos esenciales y típicos de los carácteres, situaciones y acciones lo distingue del reflejo de la realidad en sentido naturalista o fotográfico.
Paisaje campesino Juan Mochi
La meta del realismo no es la belleza, sino la verdad, y por tanto, el conocimiento de la realidad. Dentro de ese marco, las escenas de trabajadores alcanzan bastante relieve.
El realismo defiende la contemporaneidad frente a la historicidad: existe la absoluta necesidad de ser de su tiempo. Como parte de lo mismo, da gran importancia a la pura coincidencia de que algo suceda, como un encuentro entre amigos, por ejemplo, y que por esa simple cualidad amerita ser representado: no hay temas mejores ni peores, todo es digno de pintura.Pero a fuerza de insistir en que todo era igual de importante, nada pareció importante; en busca del ahora y ya, se alcanzó la impresión fugitiva del instante.
El realismo pone fin a la pintura concebida como relato figurado; se pierde el sentido narrativo, no se explica nada, porque "la vida misma no se compone de sucesos argumentados".
Término que designa un movimiento que apareció en Francia en 1848, a raíz de la revolución de ese año (por lo que se vincula a las ideas sociales en favor de los más pobres), y que se extendió hasta 1880. Tiene como antecedentes el redescubrimiento de la pintura holandesa del siglo XVII y la influencia de los maestros barrocos españoles y como movimiento se opuso polémicamente tanto al romanticismo como a la pintura académica.
El realismo es un estilo que refleja la realidad histórica y que no copia objetos mitológicos, religiosos o alegóricos. Su fidelidad al detalle lo diferencia de la glorificación idealizadora romántica, y su concentración en los rasgos esenciales y típicos de los carácteres, situaciones y acciones lo distingue del reflejo de la realidad en sentido naturalista o fotográfico.
Paisaje campesino Juan Mochi
La meta del realismo no es la belleza, sino la verdad, y por tanto, el conocimiento de la realidad. Dentro de ese marco, las escenas de trabajadores alcanzan bastante relieve.
El realismo defiende la contemporaneidad frente a la historicidad: existe la absoluta necesidad de ser de su tiempo. Como parte de lo mismo, da gran importancia a la pura coincidencia de que algo suceda, como un encuentro entre amigos, por ejemplo, y que por esa simple cualidad amerita ser representado: no hay temas mejores ni peores, todo es digno de pintura.Pero a fuerza de insistir en que todo era igual de importante, nada pareció importante; en busca del ahora y ya, se alcanzó la impresión fugitiva del instante.
El realismo pone fin a la pintura concebida como relato figurado; se pierde el sentido narrativo, no se explica nada, porque "la vida misma no se compone de sucesos argumentados".
DANZA: La danza cortesana
Es bien conocido el hecho de que la danza cortesana francesa experimentara una enorme difusión desde finales de siglo XVII. Con este término se indica cierta variedad de prácticas, desde el ballet de cour hasta la danza ceremonial. Este trabajo se concentrará en el caso de la recepción de la danza ceremonial en Barcelona durante el siglo XVIII, así como en el proceso de transformación operado. Mostraré dicho proceso a través de un análisis comparativo de las categorías sociales que la danza francesa pone en juego en los diversos contextos de ejecución aludidos, es decir, en su contexto de emergencia -la corte francesa- y el contexto de recepción -Barcelona en el siglo XVIII.En primer lugar, parto de la idea de que la danza en el Antiguo Régimen presenta una gran capacidad de vehicular cierto discurso en relación con el dominio, la disciplina y la presentación del cuerpo.
Sobre este fondo común de las manifestaciones de la danza, la danza francesa es un producto desarrollado por la sociedad cortesana francesa y engarzado de manera lógica en este contexto con los mecanismos legitimadores de la jerarquíal social; la danza francesa emergería de un uso social muy concreto, donde el concepto de "rango" se situaría como eje central de esta práctica.
Por otro lado, pienso que todo proceso de recepción debería implicar también un proceso de tranformación del producto, de tal manera que dicho objeto adquiera un sentido diferente y adecuado a los aspectos socialmente pertinentes al nuevo contexto de recepción.La sociedad setecentista catalana -entendido aquí como contexto de recepción- responde al tipo de sociedad estratificada, pero no al modelo cortesano francés. La transformación operada en el sentido social de la danza francesa en este nuevo contexto, gira alrededor del concepto de "crianza". Este concepto funcionaría como un indicador de status que vehicula la legitimación del privilegio social a través de la ostentación de una conducta autodefinida como "educada".
El proceso de trasformación operado en la recepción de la danza francesa en Barcelona se observa pues a partir de esta diferenciación en los conceptos de "rango" y "crianza". Si bien ambos funcionan como elementos de la articulación de la identidad en una configuración social de tipo estratificado, difieren en un aspecto fundamental. El concepto de "rango" se relaciona con categorías individuales de prestigio y status dentro de un grupo constituido en forma cerrada, tal como se da en la sociedad cortesana. Vehicularía un aspecto individual, el lugar que ocupa cada cortesano en relación al todo. Por contra, el concepto de "crianza" indica una cualidad diferenciada de un grupo con respecto a otro a partir de la adquisición y la práctica del saber y la conducta educada.
Vehicula y legitima la idea de pertenencia al grupo hegemónico a través de la confrontación con el "otro", es decir, los grupos socialmente menos favorecidos que los grupos hegemónicos engloban en la categoría de lo "rústico". Este concepto tiene, por tanto un sentido colectivo, no individual como en el caso francés.
Sobre este fondo común de las manifestaciones de la danza, la danza francesa es un producto desarrollado por la sociedad cortesana francesa y engarzado de manera lógica en este contexto con los mecanismos legitimadores de la jerarquíal social; la danza francesa emergería de un uso social muy concreto, donde el concepto de "rango" se situaría como eje central de esta práctica.
Por otro lado, pienso que todo proceso de recepción debería implicar también un proceso de tranformación del producto, de tal manera que dicho objeto adquiera un sentido diferente y adecuado a los aspectos socialmente pertinentes al nuevo contexto de recepción.La sociedad setecentista catalana -entendido aquí como contexto de recepción- responde al tipo de sociedad estratificada, pero no al modelo cortesano francés. La transformación operada en el sentido social de la danza francesa en este nuevo contexto, gira alrededor del concepto de "crianza". Este concepto funcionaría como un indicador de status que vehicula la legitimación del privilegio social a través de la ostentación de una conducta autodefinida como "educada".
El proceso de trasformación operado en la recepción de la danza francesa en Barcelona se observa pues a partir de esta diferenciación en los conceptos de "rango" y "crianza". Si bien ambos funcionan como elementos de la articulación de la identidad en una configuración social de tipo estratificado, difieren en un aspecto fundamental. El concepto de "rango" se relaciona con categorías individuales de prestigio y status dentro de un grupo constituido en forma cerrada, tal como se da en la sociedad cortesana. Vehicularía un aspecto individual, el lugar que ocupa cada cortesano en relación al todo. Por contra, el concepto de "crianza" indica una cualidad diferenciada de un grupo con respecto a otro a partir de la adquisición y la práctica del saber y la conducta educada.
Vehicula y legitima la idea de pertenencia al grupo hegemónico a través de la confrontación con el "otro", es decir, los grupos socialmente menos favorecidos que los grupos hegemónicos engloban en la categoría de lo "rústico". Este concepto tiene, por tanto un sentido colectivo, no individual como en el caso francés.
LITERATURA: Crepúsculo
Crepúsculo (Twilight) es una novela romántica de vampiros enfocada hacia el público joven y adolescente. Fue escrita por la autora Stephenie Meyer y publicada en 2005; es la primera parte de una serie de cuatro libros, de la que están publicados, además de Crepúsculo, Luna Nueva, Eclipse, y Amanecer. Sol de media noche es un proyecto aparte, sin finalizar, en el que Stephenie lleva trabajando desde hace tiempo. Según ella, es la misma historia que ya conocemos pero desde el punto de vista de Edward.
La protagonista de la historia es Bella Swan, una joven de diecisiete años que se muda con su padre a Forks, Washington, después de que su madre iniciara una nueva vida con otro hombre. En el colegio conoce a cinco jóvenes, los Cullen, que han sido adoptados por el doctor Carlisle Cullen. Uno de ellos, Edward Cullen, llama la atención de Bella. Su atención sube al máximo cuando descubre que Edward posee una gran fuerza y velocidad, ya que cuando se encuentra en peligro él aparece como "por arte de magia" a rescatarla. A partir de esto, Bella cree que es una especie de superhéroe. Pero todo cambia cuando conoce a Jacob Black, un joven de la tribu quileute que, entre mitos e historias, le cuenta que Edward y su familia son vampiros. Días después Edward le confirma a Bella que es un vampiro (de ahí su fuerza y velocidad; también puede leer pensamientos, menos los de Bella). Ella desea estar con él, ya que siente algo especial por Edward. Pero él no quiere estar cerca de Bella, ya que la quiere, y su verdadera identidad podría llegar a acabar con su vida. Ambos viven aventuras y enredos, entre ellos combatir contra el aquelarre de James, otro vampiro que desea la sangre de Bella.
MÚSICA: Arpa
El arpa es un instrumento de cuerda pulsada compuesto por un marco resonante y una serie variable de cuerdas tensadas entre la sección inferior y la superior. Las cuerdas pueden ser pulsadas con los dedos o con una púa o plectro. Existen diversos tipos destacando en popularidad, además del arpa clásica, usada actualmente en las orquestas, el arpa celta y el arpa paraguaya.
El arpa medieval era diatónica, y el arpa moderna, por el contrario, nació con los primeros intentos de cromatismo que la evolución de la música occidental exigía. Los primeros intentos surgieron de los talleres de luthiers irlandeses en el siglo XVI, que proveyeron al arpa de una doble fila de cuerdas. En el siglo XVII se incorpora una tercera fila, la 1ª la 3ª fila eran diatónicas (29 cuerdas cada fila) mientras que la 2ª fila, con 20 cuerdas, estaba reservada para los semitonos.
A mediados del XVII unos constructores tiroleses inventaron el arpa de ganchos, con los cuales era posible estirar la cuerda y subirla un semitono. En esta época fueron muchos los mecanismos incorporados para subir el tono, pero todos accionados manualmente, por lo que debía de hacerse antes de empezar la interpretación.
A finales del XVII, un luthier bávaro fabricó la primera arpa con pedales que, situado a ambos lados del soporte del instrumento, estaban unidos a los ganchos fijos de la consola mediante un sistema de transmisión. Eran 7 los pedales, correspondientes a los 7 grados de la escala musical, y para cuyo instrumento Mozart escribió su concierto para “flauta y arpa” en 1778. A raíz del descubrimiento se inspiraron numerosas ideas cada cual más estrafalarias para ampliar las posibilidades del arpa (como fue la colocación de doble número de pedales y sordinas), pero el mayor éxito lo obtuvo S. Erard en 1811. Erard presentó el modelo llamado de “doble acción” que, con ligeras modificaciones posteriores, es la que se usa normalmente en la actualidad.
Los pedales se hallan unidos a unos listones de acero que se introducen en la columna, estos terminan en un mecanismo situado en la consola que, a su vez, está formada por varias capas de sicomoro y serbal. Dicho mecanismo, muy elaborado, lleva dos sistemas de horquillas, discos provistos de tornillos ajustables entre los cuales pasa la cuerda. Cuando un pedal –llamado de doble acción– se suelta (posición de reposo en la muesca superior), la cuerda pasa libre entre los tornillos (bemol); enganchado en la muesca intermedia, el pedal imprime a los discos una revolución parcial que produce el 1ª semitono (becuadro); enganchado en la muesca inferior, el pedal provoca la continuación del movimiento, lo cual da lugar al 2ª semitono (sostenido). Cada uno de los 7 pedales actúa sobre todas las octavas de una misma escala, pudiendo ser accionado dos veces, subiendo sucesivamente un semitono en todas las notas de la misma tonalidad.
Ahora el número de cuerdas se eleva a 47 y son de clases diferentes. Hay 26 en el registro medio que son de tripa de carnero, 10 ó 11 en el registro agudo que son de nylon, en tanto que las 12 restantes son de alpaca o cobre (entorchadas en acero) para el registro grave. La extensión es de 6 octavas y media (de C 1 (alterable mediante afinación manual) a G# 6): esta es la extensión más amplia después del órgano y el piano.
El arpa moderna de orquesta incluye más de 1400 piezas, y la presión que ejercen las cuerdas sobre el instrumento es alrededor de 2 toneladas y media. Su construcción supone un costo elevado, por lo que son pocos los luthiers que se aventuran a fabricarla. En este proceso se incluye la utilización de contrachapados de haya, arce o palisandro -de fácil curvado al vapor- para la caja de sonido que, a su vez, está reforzada en su interior por una moldura triangular a veces metálica.
Tanto las sencillas arpas medievales, pasando por las elegantes celtas y las muy estructuradas arpas de orquesta, invitan a su constructor a armarse de imaginación e ingenio para solventar las posibles dificultades que puedan cruzársele en el maravilloso sueño que es la construcción de un arpa. Los mecanismos opcionales como los sistemas de semitonos, clavijas y puentes, se encuentran en el mercado a disposición del comprador.
Este viaje litúrgico de la historia y arquitectura del arpa hace diminuto honor a la importancia que se merece, pero puede ayudar a quien hasta ahora desconocía muchos datos de este bello instrumento. Puede que su industrialización mengüe su calidad, pero hace más fácil que la gente pueda adquirirla por un precio cómodo y asequible (sobre todo en las arpas celtas).
Vean este video de un arpista
El arpa medieval era diatónica, y el arpa moderna, por el contrario, nació con los primeros intentos de cromatismo que la evolución de la música occidental exigía. Los primeros intentos surgieron de los talleres de luthiers irlandeses en el siglo XVI, que proveyeron al arpa de una doble fila de cuerdas. En el siglo XVII se incorpora una tercera fila, la 1ª la 3ª fila eran diatónicas (29 cuerdas cada fila) mientras que la 2ª fila, con 20 cuerdas, estaba reservada para los semitonos.
A mediados del XVII unos constructores tiroleses inventaron el arpa de ganchos, con los cuales era posible estirar la cuerda y subirla un semitono. En esta época fueron muchos los mecanismos incorporados para subir el tono, pero todos accionados manualmente, por lo que debía de hacerse antes de empezar la interpretación.
A finales del XVII, un luthier bávaro fabricó la primera arpa con pedales que, situado a ambos lados del soporte del instrumento, estaban unidos a los ganchos fijos de la consola mediante un sistema de transmisión. Eran 7 los pedales, correspondientes a los 7 grados de la escala musical, y para cuyo instrumento Mozart escribió su concierto para “flauta y arpa” en 1778. A raíz del descubrimiento se inspiraron numerosas ideas cada cual más estrafalarias para ampliar las posibilidades del arpa (como fue la colocación de doble número de pedales y sordinas), pero el mayor éxito lo obtuvo S. Erard en 1811. Erard presentó el modelo llamado de “doble acción” que, con ligeras modificaciones posteriores, es la que se usa normalmente en la actualidad.
Los pedales se hallan unidos a unos listones de acero que se introducen en la columna, estos terminan en un mecanismo situado en la consola que, a su vez, está formada por varias capas de sicomoro y serbal. Dicho mecanismo, muy elaborado, lleva dos sistemas de horquillas, discos provistos de tornillos ajustables entre los cuales pasa la cuerda. Cuando un pedal –llamado de doble acción– se suelta (posición de reposo en la muesca superior), la cuerda pasa libre entre los tornillos (bemol); enganchado en la muesca intermedia, el pedal imprime a los discos una revolución parcial que produce el 1ª semitono (becuadro); enganchado en la muesca inferior, el pedal provoca la continuación del movimiento, lo cual da lugar al 2ª semitono (sostenido). Cada uno de los 7 pedales actúa sobre todas las octavas de una misma escala, pudiendo ser accionado dos veces, subiendo sucesivamente un semitono en todas las notas de la misma tonalidad.
Ahora el número de cuerdas se eleva a 47 y son de clases diferentes. Hay 26 en el registro medio que son de tripa de carnero, 10 ó 11 en el registro agudo que son de nylon, en tanto que las 12 restantes son de alpaca o cobre (entorchadas en acero) para el registro grave. La extensión es de 6 octavas y media (de C 1 (alterable mediante afinación manual) a G# 6): esta es la extensión más amplia después del órgano y el piano.
El arpa moderna de orquesta incluye más de 1400 piezas, y la presión que ejercen las cuerdas sobre el instrumento es alrededor de 2 toneladas y media. Su construcción supone un costo elevado, por lo que son pocos los luthiers que se aventuran a fabricarla. En este proceso se incluye la utilización de contrachapados de haya, arce o palisandro -de fácil curvado al vapor- para la caja de sonido que, a su vez, está reforzada en su interior por una moldura triangular a veces metálica.
Tanto las sencillas arpas medievales, pasando por las elegantes celtas y las muy estructuradas arpas de orquesta, invitan a su constructor a armarse de imaginación e ingenio para solventar las posibles dificultades que puedan cruzársele en el maravilloso sueño que es la construcción de un arpa. Los mecanismos opcionales como los sistemas de semitonos, clavijas y puentes, se encuentran en el mercado a disposición del comprador.
Este viaje litúrgico de la historia y arquitectura del arpa hace diminuto honor a la importancia que se merece, pero puede ayudar a quien hasta ahora desconocía muchos datos de este bello instrumento. Puede que su industrialización mengüe su calidad, pero hace más fácil que la gente pueda adquirirla por un precio cómodo y asequible (sobre todo en las arpas celtas).
Vean este video de un arpista
DANZA: Ballet
El ballet o danza clásica es el nombre específico dado a una forma concreta de danza y su técnica. Según las épocas, los países o las corrientes el espectáculo coreográfico puede incluir: danza, mímica, y música (de orquesta y coral), decorados y maquinaria.
También se utiliza el término ballet para designar la pieza musica compuesta, a propósito, para que sea interpretada por medio de la danza. El Ballet está considerado como una de las Artes Escénicas.
La técnica de esta danza tiene una dificultad importante, ya que requiere una concentración para dominar todo el cuerpo, añadiendo además un entrenamiento en flexibilidad, coordinación y ritmo musical. Lo habitual, aunque no obligatorio, es que se aprenda con una edad temprana, para interiorizar y automatizar movimientos y pasos técnicos. Es ideal una formación paralela en solfeo, aunque tampoco imprescindible
Para el calentamiento se utiliza una zapatilla de tela (o piel) con suela partida o completa, muy blanda y fácilmente adaptable. Cuando la experiencia, la condición física y la fuerza del bailarín ya lo requieren, se comienza el entrenamiento con las puntas de ballet. El vestuario debe ser cómodo y, sobre todo, debe dejar marcado el cuerpo para poder corregir y ver los movimientos de cuerpo, brazos y piernas.
Historia
El Ballet nació en Italia pero alcanzó su máxima expresión en Francia durante el reinado del rey Luis XIV. En Francia, el vestuario, la música, la decoración y el lenguaje corporal, tomaron una gran importancia.
En la actualidad, España posee alrededor de trescientos bailarines en el extranjero. Muchos de ellos proceden de la insigne escuela del zaragozano Víctor Ullate, quien formó a las grandes estrellas de la actualidad como Ángel Corella (Madrid, 1975), Bailarín Principal del American Ballet Theatre y director del Corella Ballet-Castilla León, Tamara Rojo (Montreal, 1974), primera bailarina del Royal Ballet de Londres y Premio Príncipe de Asturias de las Artes 2005, ex aequo con Maya Plisetskaya, Prima Ballerina Assoluta. También merece una especial mención Lucía Lacarra (Zumaia, Gipuzkoa, 1975), Bailarina Principal del Ballet de la Ópera de Munich, Premio Nijinsky 2002, Premio Benois de la Danse 2003, Premio Nacional de Danza 2005, nombrada Bailarina de Cámara de Baviera en 2008, entre otras muchas distinciones de la bailarina guipuzcoana. Por la escuela de Ullate, también han desfilado otras insignes estrellas como Igor Yebra (Bilbao, 1974), Bailarín Estrella del Ballet de la Ópera de Burdeos, Joaquín de Luz (San Fernando de Henares, 1976), Bailarín Principal de New York City Ballet, Carlos Pinillos (Madrid, 1977), Bailarín Principal de la Companhia Nacional de Bailado de Portugal o Carlos López (Madrid, 1976), Solista del American Ballet Theatre, Itziar Mendizabal (Hondarribia, 1981), Bailarina Principal del Ballet de Leipzig, entre otros muchísimos.
Fuera de la escuela de Ullate, han emergido figuras como José Carlos Martínez (Cartagena, 1969), Estrella del Ballet de la Ópera de Paris, Alicia Amatriain (Donostia-San Sebastián, 1980), Primera Bailarina del Stuttgart Ballet, Gonzalo García (Zaragoza), Bailarín Principal del New York City Ballet, Asier Uriagereka (Mungia, Vizcaya, 1975), Bailarín Principal de los Ballets de Monte-Carlo, entre otros muchísimos bailarines que triunfan fuera de España.
Ballet en Puntas
Las puntas de ballet son zapatillas con puntas de cartón o yeso para sostenerse de punta. Se trata de una zapatilla especial creada para la estilización del cuerpo femenino a la hora de bailar en un escenario. Su coste suele ser alto. El uso de las puntas de ballet se suele hacer si se posee la capacidad y la fuerza necesaria en las piernas. Es muy peligroso que alguien sin la capacidad se suba a ellas ya que podria causar lesiones extremadamente graves y que como consecuencia no pueda bailar nunca más en su vida.
Al comenzar, la practica con ellas suele ser dolorosa. Hoy en día se acostumbra a usar protectores de silicona en la punta, antiguamente se usaba solamente protectores de tela. Aún así hay profesionales que tan solo se ponen esparadrapo para no sangrar, ya que les gusta mas sentir la punta.
En muchas escuelas, donde las niñas empiezan apenas a los cuatro años, se suele comenzar con las puntas alrededor de los nueve o diez años. Sin embargo, en academias reconocidas como la del Royal Ballet de Londres, los pequeños aprendices comienzan apartir de los once años y se empiezan a utilizar puntas alrededor de los quince. El entrenamiento es lento, y al comienzo sólamente durante pocos minutos ya que es un ejercicio que se debe hacer diariamente y con esfuerzo. Al cabo de un tiempo practicando, serán capaz de subirse en las puntas sin complicaciones.
También se utiliza el término ballet para designar la pieza musica compuesta, a propósito, para que sea interpretada por medio de la danza. El Ballet está considerado como una de las Artes Escénicas.
La técnica de esta danza tiene una dificultad importante, ya que requiere una concentración para dominar todo el cuerpo, añadiendo además un entrenamiento en flexibilidad, coordinación y ritmo musical. Lo habitual, aunque no obligatorio, es que se aprenda con una edad temprana, para interiorizar y automatizar movimientos y pasos técnicos. Es ideal una formación paralela en solfeo, aunque tampoco imprescindible
Para el calentamiento se utiliza una zapatilla de tela (o piel) con suela partida o completa, muy blanda y fácilmente adaptable. Cuando la experiencia, la condición física y la fuerza del bailarín ya lo requieren, se comienza el entrenamiento con las puntas de ballet. El vestuario debe ser cómodo y, sobre todo, debe dejar marcado el cuerpo para poder corregir y ver los movimientos de cuerpo, brazos y piernas.
Historia
El Ballet nació en Italia pero alcanzó su máxima expresión en Francia durante el reinado del rey Luis XIV. En Francia, el vestuario, la música, la decoración y el lenguaje corporal, tomaron una gran importancia.
En la actualidad, España posee alrededor de trescientos bailarines en el extranjero. Muchos de ellos proceden de la insigne escuela del zaragozano Víctor Ullate, quien formó a las grandes estrellas de la actualidad como Ángel Corella (Madrid, 1975), Bailarín Principal del American Ballet Theatre y director del Corella Ballet-Castilla León, Tamara Rojo (Montreal, 1974), primera bailarina del Royal Ballet de Londres y Premio Príncipe de Asturias de las Artes 2005, ex aequo con Maya Plisetskaya, Prima Ballerina Assoluta. También merece una especial mención Lucía Lacarra (Zumaia, Gipuzkoa, 1975), Bailarina Principal del Ballet de la Ópera de Munich, Premio Nijinsky 2002, Premio Benois de la Danse 2003, Premio Nacional de Danza 2005, nombrada Bailarina de Cámara de Baviera en 2008, entre otras muchas distinciones de la bailarina guipuzcoana. Por la escuela de Ullate, también han desfilado otras insignes estrellas como Igor Yebra (Bilbao, 1974), Bailarín Estrella del Ballet de la Ópera de Burdeos, Joaquín de Luz (San Fernando de Henares, 1976), Bailarín Principal de New York City Ballet, Carlos Pinillos (Madrid, 1977), Bailarín Principal de la Companhia Nacional de Bailado de Portugal o Carlos López (Madrid, 1976), Solista del American Ballet Theatre, Itziar Mendizabal (Hondarribia, 1981), Bailarina Principal del Ballet de Leipzig, entre otros muchísimos.
Fuera de la escuela de Ullate, han emergido figuras como José Carlos Martínez (Cartagena, 1969), Estrella del Ballet de la Ópera de Paris, Alicia Amatriain (Donostia-San Sebastián, 1980), Primera Bailarina del Stuttgart Ballet, Gonzalo García (Zaragoza), Bailarín Principal del New York City Ballet, Asier Uriagereka (Mungia, Vizcaya, 1975), Bailarín Principal de los Ballets de Monte-Carlo, entre otros muchísimos bailarines que triunfan fuera de España.
Ballet en Puntas
Las puntas de ballet son zapatillas con puntas de cartón o yeso para sostenerse de punta. Se trata de una zapatilla especial creada para la estilización del cuerpo femenino a la hora de bailar en un escenario. Su coste suele ser alto. El uso de las puntas de ballet se suele hacer si se posee la capacidad y la fuerza necesaria en las piernas. Es muy peligroso que alguien sin la capacidad se suba a ellas ya que podria causar lesiones extremadamente graves y que como consecuencia no pueda bailar nunca más en su vida.
Al comenzar, la practica con ellas suele ser dolorosa. Hoy en día se acostumbra a usar protectores de silicona en la punta, antiguamente se usaba solamente protectores de tela. Aún así hay profesionales que tan solo se ponen esparadrapo para no sangrar, ya que les gusta mas sentir la punta.
En muchas escuelas, donde las niñas empiezan apenas a los cuatro años, se suele comenzar con las puntas alrededor de los nueve o diez años. Sin embargo, en academias reconocidas como la del Royal Ballet de Londres, los pequeños aprendices comienzan apartir de los once años y se empiezan a utilizar puntas alrededor de los quince. El entrenamiento es lento, y al comienzo sólamente durante pocos minutos ya que es un ejercicio que se debe hacer diariamente y con esfuerzo. Al cabo de un tiempo practicando, serán capaz de subirse en las puntas sin complicaciones.
DANZA: Elementos de la Danza
Los primeros antecedentes los encontramos en las pinturas rupestres. La historia de la danza refleja los cambios de las relaciones del pueblo con su conocimiento del mundo, por esta razón, se supone que las primeras danzas tuvieron un carácter religioso. Había danzas al sol, a la luna, a la lluvia y a todos los astros importantes, también se hacían danzas a los animales, y a la siembra, cuando se volvieron sedentarios. El tipo de danza que tuvo mayor importancia en los pueblos antiguos fue la danza de iniciación, que era usada para celebrar un nuevo ciclo de vida, prácticamente todos los pueblos antiguos y aún en la actualidad, tienen de este tipo de danza. Teóricamente, se pueden distinguir varios tipos de danzas ejecutadas por los pueblos antiguos, muchas de ellas subsisten en los pueblos aborígenes del mundo, son principalmente, danzas animales, astrales, medicinales, de fecundidad, guerreras, nupciales y de iniciación.
Escena de danza en una tumba de Tebas. Egipto. Necrópolis del Imperio Nuevo
En el antiguo Egipto, las danzas ceremoniales fueron instituidas por los faraones. Estas danzas, que culminaban en ceremonias representando la muerte y la reencarnación del dios Osiris, se fueron haciendo cada vez más complejas, hasta el punto de que sólo podían ser ejecutadas por profesionales altamente calificados.
Escena de danza en una tumba de Tebas. Egipto. Necrópolis del Imperio Nuevo
En el antiguo Egipto, las danzas ceremoniales fueron instituidas por los faraones. Estas danzas, que culminaban en ceremonias representando la muerte y la reencarnación del dios Osiris, se fueron haciendo cada vez más complejas, hasta el punto de que sólo podían ser ejecutadas por profesionales altamente calificados.
En la Antigua Grecia,valoraban mucho las artes en general pero la música y la danza destacaban por encima de otras. Se danzaba en honor del dios Baco, en las llamadas bacanales. Estas danzas incluían, eventualmente, música y distintas figuras de la mitología clásica que eran representados por actores y bailarines entrenados. A finales del siglo V a. C. estas danzas comenzaron a formar parte de la escena social y política de la antigua Grecia
Entre los romans, la aceptación de la danza por parte de los poderes públicos fue decayendo. La cristianización del Imperio Romano introdujo una nueva era en la que el cuerpo, la sexualidad y la danza resultaron unidas y fueron objeto de controversia y conflictos.
Elementos Fundamentales de la Danza
El hombre se ha expresado a través de las artes desde su aparición en la Tierra, y de esta manera manifestado alegrías, tristezas, deseos, emociones, pedidos y agradecimientos. Así nos llegan desde tiempos inmemoriales sus artes, y de su mano, sus costumbres, su vida toda, y hasta parte de su historia. La danza no es ajena a este fenómeno, y es posiblemente de las primeras artes a través de la cuál se comunica, y es importante destacar que tal vez sea la más simbólica de las artes ya que, al prescindir básicamente de la palabra, se acentúa la necesidad de una buena transmisión gestual.
La danza pues, es movimiento. Y un movimiento muy especial ya que requiere de cinco elementos fundamentales, los cuales se interrealcionan para transmitir un mensaje artístico:
Ritmo
Expresión corporal
Movimiento
Espacio
Color
De esta manera llegamos entonces a poder definir la danza como el desplazamiento efectuado en el espacio por una o todas las partes del cuerpo del bailarín, diseñando una forma, impulsado por una energía propia, con un ritmo determinado, durante un tiempo de mayor o menor duración.
El uso predominante de uno u otro de los elementos del movimiento no es siempre parejo. En algunas danzas predomina el ritmo, en otras el uso del espacio, etc. También es importante destacar que de acuerdo al carácter de ella se acentuará el uso de uno u otro elemento.
Cuando la danza no se manifiesta como el puro bailar, o como el equilibrio estético que es el ballet clásico, sino que se imprime una intención determinada se complementa con el que llamaremos Adicionales No Danzantes. Éstos son cuatro: Mímica, Gesto simbólico Canto y Palabra.
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